[現場速遞] 將所有存在視為單一生命的藝術家旅程，首爾美術館林直淳逝世30週年特別展《我想描繪內心的世界》

首爾美術館正在舉辦策展展覽《我想描繪內心的世界》，旨在展望即將於2026年迎來逝世30週年的林直淳之生平與藝術世界，展期將持續至2027年2月14日（週日）。

為了紀念逝世30週年，本次展覽是再次邂逅林直淳所留下的色彩、光影以及深邃心靈世界的機會。在本次展覽中，可以遇見他直到最後一刻仍試圖觀察並描繪世界的視線與心靈。

本次展覽是以紀念林直淳逝世30週年為目的所舉辦的展覽中，規模最大的一次。特別是在眾多美術館、畫廊及個人收藏家的幫助下，使本次展覽得以構成更深厚且廣泛的規模。展覽以約80件油畫為中心，同時展出素描、水彩、版畫等各種媒材的作品。此外，還公開了藝術家生前直接使用的畫架、調色盤、畫筆與顏料等畫具，以及家具與生活用品等30多件遺物。

他的作品讓人從熟悉的對象中重新發現美，並透過觀看作品來審視自己的內心。而在那視線的盡頭，是一位直到最後一刻都未曾放下畫筆的人。

1960年代

在廣州定居的林直淳，隨著與韓國南部風景及無等山的相遇，將作品的視線擴展到了自然。除了從以前就喜愛的女人與花卉之外，他也將山野、周邊風景納入畫布，表現出韓國南部特有的溫暖情感與生命感。

他在穩定且紮實的構成之上，加上充滿力量的筆觸以及溫暖卻強烈的色彩，開創了屬於自己的繪畫世界；他並不滿足於忠實地再現對象，而是追求人物、花卉與背景相互交融的造型美。特別是女人與花卉，對他而言已超越單純的素材，成為讓他發現生命力量與美的關鍵對象。


1970年代

在巴黎接觸印象派並經歷突如其來的病痛後，他觀察對象的視線變得更加深邃。在探索隨光線變化的色彩時，他逐漸脫離了單純將肉眼所見如實搬移的階段，轉而試圖將面對對象時感受到的情感以及其中蘊含的本質呈現在畫面中。

色彩超越了說明形態的手段，成為構成畫面的重要元素，並透過簡化的形象與大膽的筆觸開始展現內心的情感。他透過觀察女人與花卉以發現其中蘊含的生命力量，其關注點也逐漸轉向存在於具體對象之外的情感與本質。


1980年代

1980年代是其作品活動最為旺盛的時期，也是長期探求的藝術世界達到巔峰並燦爛綻放的時期。他透過寫生將素材範圍擴大到山、海、港口等自然景觀，同時在女性與花卉等既有主題中，比起再現對象，更深入探求由色彩、線條與筆觸所創造出的造型和諧。
 

在結合了果敢線條、強烈色彩與厚重肌理的畫面中，生動地展現了面對自然與對象時所感受到的感觸。特別是在本次展覽中，將大量展出代表林直淳藝術世界的女性坐像，以及以花卉與花瓶為中心的靜物畫。透過以其獨特的色彩與筆觸重新變奏一生中反覆處理的素材，可以集中觀察其使人物、花卉與背景在單一畫面中達成和諧的繪畫特徵。


1990年代

即便在從1988年開始的腎臟病鬥爭過程中仍持續創作的林直淳，隨著晚年逐漸大膽地捨棄對象的形態與說明性元素，轉而集中於線條、色彩與充滿力量的筆觸。包含自然在內的具體素材逐漸簡化，轉變為抽象的畫面。

比起再現肉眼可見的自然色彩，他試圖尋找自己感受到的本質色彩的態度，在作品中表現得更加清晰。他透過厚重的肌理、自由的筆觸與強烈的色彩，凝聚並裝載了自然與生命的本質，並以更深化的造型語言，解讀了終身持續對內心的探求。
 

本次展覽最特別的點之一，不僅是作品，還能同時見到林直淳實際繪畫時使用的空間與物品。在展覽入口處，配置了藝術家生前使用的家具與小道具，讓人聯想到林直淳實際的作業空間。

特別是林直淳在畫人物畫時，會親自挑選模特兒並請其至家中進行建模，在現場觀察人物並進行創作。展覽同時展出了他畫人物坐像時最愛使用的藤製安樂椅，以及描繪坐在該椅子上的女性模特兒的代表作，提供了作品中的空間與實際作業空間相連結的體驗。
 

在畫室中使用到最後的調色盤上乾涸的顏料、畫筆與畫架等，生動地展示了藝術家生前是在什麼樣的環境下進行創作。透過同時觀看作品與遺物的體驗，觀眾可以不再將其視為「留下作品的藝術家」，而是能近距離接觸到作為「每天都在畫畫的一個人」的林直淳。
 

林直淳常被記憶為「花卉與女性的畫家」。本次展覽也展出了許多描繪坐在畫室或書房中的少女、清純且端莊的女性模樣的人物畫，以及將玫瑰等各種花卉裝在花瓶與花罐中的靜物畫。然而，林直淳的藝術世界並不侷限於人物與靜物。他同樣終身均衡地探求著可稱為西洋畫傳統主要主題的人物、靜物與風景。
 

本次展覽除了展示他親自面對的各種風景畫外，也將一同公開作為創作起點的照片、在現場留下的素描與水彩畫等。透過這些作品，可以觀察到一片風景是如何經過藝術家的視角，轉化為繪畫作品。

對林直淳而言，旅行既是唯一的嗜好，也是創作的重要時間。比起用照片記錄風景後再如實搬移到畫布上的方式，他更重視直接面對山海、港口與自然，並將在現場感受到的感興以素描與水彩記錄下來的方式。在現場留下的素描會帶回工作室，藝術家再以此為基礎完成油畫。

在林直淳的風景畫中，重要的並非多麼寫實地再現眼前的風景，而是在面對那片風景時，藝術家感受到了什麼、留下了什麼印象，以及如何用自己的色彩與筆觸對其進行重新詮釋。

林直淳所描繪的是花朵與女人、山川與大海等熟悉的對象。然而，他所注視的並非對象的外表，而是蘊含其中的生命力與美，以及面對這些時他自己的心境。在無數影像被快速消費的今日，林直淳的畫作反而讓人重新思考緩慢注視的意義。

1996年7月，韓國美術界的巨星筆名林直淳逝世。儘管在約10年間因腎臟病持續奮鬥，他仍未放下畫筆，最終因突然惡化的心臟衰竭而結束生命。

葬禮結束後，家屬面對的是藝術家直到最後都在工作的工作室，以及留在其中的一件未完成作品。這是他在逝世1年前，為了將在美國遇見的異國風景呈現在畫布上，直到最後一刻仍傾注靈魂的作品。然而，作品最終未能完成。在放下畫筆的那一刻便維持原狀的未完成畫面，完整地保留了藝術家的最後氣息與對藝術的執著。

在本次首爾美術館林直淳逝世30週年特別展中，將首次公開這件未完成遺作以及藝術家生前使用的畫架。這是一個可以面對林直淳最後的創作過程，以及他直到最後都想緊握的風景的場合。特別是這件作品不僅具有作品本身的完成度，更是展現了一位終身繪畫的藝術家直到最後一刻都未曾放下畫筆的重要紀錄。

展覽相關人士表示：「為了紀念觀察世界並從中挖掘內心、直到最後一刻都未曾放下畫筆的林直淳逝世30週年，希望本次展覽能成為再次緬懷他奉獻一生的藝術，並長久記憶他留下的色彩、光影以及深邃心靈世界的場合。」

另一方面，首爾美術館將於2026年下半年開始的企劃展《大體如此，也並非如此》進行至2027年2月14日，而《共同生活：聚在一起，成為某物》則進行至2026年12月27日。《大體如此，也並非如此》透過28位藝術家的視角，解讀在「是」與「不是」之間共存的不同視角的人們的故事；而《共同生活：聚在一起，成為某物》則透過從單一材料出發、創造出不同世界的三位藝術家的視角，探討當代雕塑的多樣可能性。

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