[現場速遞] 與夏天相遇的26組團隊之意外邂逅與記錄《致我們的夏天》展

在酷熱的夏天彷彿已成遙遠過去的這段日子，若能用各種藝術家的作品來為26年的最後一個夏天畫下句點，會是件什麼樣的事呢？京畿道美術館將舉辦《致我們的夏天》展覽，邀請26組在當代藝術界獲得潛力認可的青年藝術家團隊參與，展覽將持續進行至本月27日。

美術館長期以來透過與工藝、設計、建築等鄰近領域的交流，不斷擴展當代藝術的範疇。今天的青年藝術家們則將這種交流推向更加自由的境界。如同從繪畫開始的作品進一步向立體領域擴張，對他們而言，領域並非界限，而是可以輕易跨越的範圍。由於其獨特的實踐本身已足以成為一種領域，青年藝術家們透過作品證明了難以用制度語言定義的當代藝術多樣性。本次展覽所關注的，正是這種靈活性，以及能向任何事物擴散的可能性。

本次展覽採用的方式是收回以往以領域為基準的視角，轉而在「藝術」這個廣大範疇內進行對話。因此，展覽邀請了涵蓋繪畫、雕塑、裝置、媒體、家具、建築、陶瓷、設計、纖維、行為藝術等全方位領域的26組團隊參與，開拓了與其他媒介相結合的擴張詮釋之路。
 

ROS 是從探究媒介與物質關係出發的創作者聯盟，在每個專案中都會靈活變動參與藝術家的組成。本次聯盟以陶瓷藝術家 Kim Si-wol 與 Sim Da-eun、行為藝術家 Lee Hyeong-ju 與 Lim Sol-mon，以及同時運用兩種媒介的 Kang Ryu 為核心，根據專案需求，由不同領域的藝術家進行有機協作，共同打造作品及其創作過程。

京畿道美術館製作支援作品 〈四片土地與泥土、運動、聲音〉(2026) 是追蹤了江原道楊口、京畿道南楊州八達里、全北林實，以及安山京畿道美術館附近這四個座標的旅程成果。藝術家們親自收集的泥土與石頭，以及在那裡遇到的人們的故事，透過影像、聲音與身體運動，轉化為新的數據。由採集到的泥土與耐火磚堆砌而成的裝置柱體，結合了以野外泥土製成的樂器與四個地區的詩篇，並加上以藝術家視角記錄這四次旅程的影像，共同構成了一個完整的結構。
 

Kim Bo-gyeong 以檔案研究為基礎，透過觀察城市歷史，展開對我們無法感知的時間領域的思考。她主要收集體現在建築物這一媒介上的歷史、現象與感官，並將其結構化為版畫、紡織品、裝置等多種視覺語言。

本次展覽的核心作品 〈莨苕群落：展開波浪 ver. 3〉(2026) 源於藝術家在德國柏林作為異鄉人生活時，反覆遇到的莨苕 (Acanthus) 圖騰。此圖騰既是西方古典主義的象徵，也常見於亞洲的殖民建築中。藝術家超越固定的物理限制，追蹤沿著帝國主義航線移動的建築圖騰與植物種的擴張性，並以拼貼形式的「群落」呈現了脫離原始生態系而被移植的存在之混種性。
 

位於展廳中心的連作 〈雙手的呼吸〉(2022-2025) 是透過交替重複影像編輯與編織而完成的成果。透過線繩編織的身體往復運動，將過去的檔案與現在的感官進行視覺上的連結，並捕捉了在空間中變形與進化的歷史運動性。藝術家這種具備修行性質的作業方式，可被視為將不可見的情感與記憶物質化的媒介。
 

Lee Hae-ban 以非軍事區（DMZ）這一緩衝地帶為背景，以視覺語言詮釋「邊界」所具有的物理與概念性問題與提問。藝術家從觀察故鄉鐵原的 DMZ 風景出發，透過繪畫、裝置及立體等多元方式，探討國境這一物理邊界及其背後的概念屬性。

由京畿道美術館製作支援展出的〈綻放的集群〉(2026) 與 〈邊界守護者〉 (2026) 可視為同一系列作品。這些作品深入探討散布在邊境地區風景中的軍事符號與迷彩偽裝等限制性標記，如何於風景中形成可視性與隱蔽、保護與威脅的結構。藝術家將 DMZ 宏觀的地緣政治風景，與散布於其中的軍事物件微觀視角並置，並將其層層堆疊於繪畫的多個層次中，將歷史指標轉化為全新的地形。
 

在雲朵、波浪、霧氣與光影殘像交疊的畫面之上，裝飾性圖案與自然風景在解構的同時也進行了重構。填滿牆面的畫面帶有一種夢幻且輕盈的氣息，讓人感受到存在於權力與生存結構之外的細微緊張感。這不僅止於再現特定的風景，更靈活地混淆了存在著保存與分類秩序的「美術館」空間，透過既熟悉又陌生的超現實風景，對邊界提出了新的問題。
 

Lee Hyeon-hwa 以纖維為基礎，探討生命與存在的敘事。透過掛毯（tapestry）、刺繡、素描（drawing）等技法跨越傳統與現代的邊界，並專注於將重複的編織過程與儀式性行為及身體感官結合，將無形的思考編織成物質形態的修行式創作。

〈祈願之石〉(2024) 從人類是邁向死亡的有限存在這一存在主義思考出發，將生命旅程中必然面臨的焦慮或恐懼等痛苦，昇華為祭祀行為的造型掛毯作品。藝術家在經線中插入金屬絲以建立立體結構，並有機地維持緯線的流動以嘗試形態的變形。如同人類透過建立石塔或堆疊石頭來寄託心願一般，藝術家在令人聯想到石頭的非定型圖騰上，用紅線刻下文字，祈求生活的平安。
 

Lee Kyu-han 是一位透過收集並重新組合大眾文化圖騰與平凡消費品，進而提出事物新用途與新鮮視覺體驗的藝術家。藝術家收集身邊常見的品牌標誌或印有卡通角色的物品，透過重複觀察，將所經歷的生活風景轉化為複合性的設計元素。

〈McDonald's Paper Bag Lighting〉(2025) 系列作品，是將工廠大量生產的速食品牌麥當勞（McDonald's）包裝紙袋，與韓國傳統韓紙結合，重新誕生為燈具物件的創作。現代社會快速且即時的消費殘留物，與經過長時間工匠手作工藝的過程，在藝術家的創作過程中相遇，形成了一種奇妙的緊張感。
 

藝術家根據燈具的曲線，將分割的每個面上品牌固有的色彩與標誌進行解構，並重新構成為幾何圖案，藉此抹除與資本主義系統掛鉤的既有象徵性。另一方面，放置在方形底座上的各異形式作品，從地面向著天花板繪製出流動的曲線並向上升騰。彷彿點亮燈火後成群綻放般的流動感，將觀眾吸引至作品的正中央。
 

Kang Dong-hun 以作曲、編曲、哲學及純粹美術專業所累積的多學科基礎為依據，展現了跨越聲音中心表演、裝置、影像等多種領域的作品。結合表演與影像的〈Vesica Piscis〉 (2024) 在音樂結構中探討了兩個互相映射並產生反應的存在之間的關係。作品名稱「Vesica Piscis」是指兩個半徑相同的圓互相穿過彼此中心所形成的形狀，象徵著這件作品同時包含重疊與分離的結構。

在低沉且寬廣展開的黑白畫面周圍，憂鬱的大提琴聲濃郁地鋪展開來。隨著這段旋律，面對面坐著的雙胞胎演員開始像被彼此吸引般移動。藝術家將為被認為與人類最相似的樂器——大提琴所創作的「Binary Composition for Two Cellos」作為作品的聽覺骨架。

作品中的演員動作看似對稱，猶如在鏡中看著自己，但隨著音樂流動從緩慢變為快速、從靜止轉變為激烈的不協和音，他們很快便展現出各自的獨立性。藝術家藉此將兩個存在相遇並重疊時所產生的千變萬化的能量，透過作品視覺化。
 

韓裔美國藝術家 Rachel Yoon 是一位將二手家電與人工植物或物件結合，塑造出在機器與有機體之間徘徊的陌生存在的雕塑家。藝術家以多層次的視角捕捉人造功能與自然生命力之間的關係，並持續進行著共存著幽默與不適感的造型實驗。本次展出的〈閃耀〉(2025)、〈Penitent〉(2025) 及〈訓練〉(2025)，是將按摩器、運動器材、電動育兒用品等輔助人類身體與情感的機器，在現代社會的照護與消費結構中進行幽默重新詮釋的作品。
 

在被低沉的光線與色彩燈光染色的空間中，木製層架及其周圍放置的作品，感覺不像是單純的二手物品，而像是被賦予了生命的生命體。〈閃耀〉與〈Penitent〉在底部的柱子上穿上了玩偶用輪滑鞋與幼兒鞋，給人一種彷彿正要走向某處而站立起來的感覺。結合在一起的人工植物並非僵硬地固定，而是柔軟地彎曲，描繪出柔和的線條流動。在〈訓練〉中，向下垂掛的仿真紫藤延續了那種流動感，而緊握著它的嬰兒搖椅看起來就像是不願放手的固定架。

這些失去了原本功能與效率的器物，重複著鬆散的動作，並與異質元素交織，以扭曲的方式模仿人類的行為與情感。藝術家透過作品揭示了現代人如何將自我管理與照護的慾望，以物質與機器的形式進行替代，同時也說明了機器最終無法完全取代人類根本慾望的事實。
 

Nam Da-hyeon 聰慧地在創作與複製之間的界限穿梭，持續進行著諷刺當今資本主義消費文化與現代藝術的作品。裝置作品〈2008年7月12日，青丘三期106棟507室〉 (2017-2026) 是藝術家依賴記憶，重新再現其幼年居住公寓內部的空間。
 

走進作品之中，充滿了對於經歷過同時代的人們而言極其熟悉的符號。螢幕上顯示著 Cyworld Minihompy 的電腦，或是卡在餐桌腿上的網球等，乍看之下像是真實的物品。然而，靠近一看便會發現這一切都是藝術家用保麗龍雕刻而成的模型。雖然對象所指涉的事物非常具體且具備考據性，但在再現的表面上，卻顯露出了藝術家刻意為之的粗糙與疏漏。這也與作品背景所在的「青丘三期106棟507室」實際上並不存在此房號的事實相呼應。

藝術家並非精準地抹除記憶與事實之間的間隙，而是刻意製造模糊的界線來增加虛構性。藉此，觀眾不會將作品視為事實本身，而是會加入自己的記憶、情感與經驗來接納。藝術家這種召喚的方式，是從試圖完美復原過去的強迫症中解脫出來，刻意暴露扭曲且遺失的記憶縫隙的實踐。

由 Jeong Hye-ju、Seong Su-jin、Wi Seong-hwan、Kim Hyeon-tae、Kim Yun-ji 組成的 Team Pearl，如同層層堆疊而成的珍珠一般，是一個將五個人不同的感官與經驗編織成單一造型語言的集體（collective）。他們以藝術與技術的融合為基礎，構建了名為「Sepafuturism」的獨創虛擬世界觀，並展示了利用 WebAR、擴展實境（XR）、人工智慧（AI）等當代尖端技術的視覺感官互動作品。

由京畿道美術館資助製作的新作〈Separium: 萬壽菊的殘像〉（2026）是從「人類能否如實感知世界」這一問題出發的融合作品。作品中的虛擬領域「Separium」代表了在人類分類體系下被重新建構的世界，而改良後的植物種——萬壽菊，則象徵著人類與植物的共進化關係。當觀眾在平板電腦上輸入夢境內容時，人工智慧會進行分析，並將導出的解夢畫面繪製在螢幕上。這展示了對象在人類設定的框架內被重新結構化的過程。

Team Pearl 注意到，僅在人類認知範圍內成立的世界之侷限，正與本次展覽的主題「夏天」相契合。因為在強烈的陽光下，看似萬物都清晰可見，但實際上，我們看到的只是被突顯出的片段，而非完整的本質。試圖用肉眼可見的侷限來裁量具有不可預測可能性的青年動態性的視角，也處於相同的脈絡之中。〈Separium: 萬壽菊的殘像〉引導我們在夏天光影所創造的殘像中，重新審視我們自以為所知的世界。

Jeong So-yun 一直在探索以纖維為媒介，治癒個人不安與悲傷的視覺方法。如果說過去的作品是為了控制與平復由外部引起的內心動盪，而經歷收縮與緊張的過程，那麼最近的作品則進展到了如實接納情感流動的「鬆弛」階段。藝術家將規格化的透明絲直接進行加工與染色，然後如同用鉛筆畫線一般，利用縫紉機編織出纖維繪圖。完成作品的艱辛過程，其本身看起來就像是一種修行式的實踐。

本次展覽呈現的〈鬆弛的方向〉（2026）系列，投影了藝術家改變後的靈活心理軌跡。填滿空間的非線性「根」圖騰，並非執著於強行抓緊地面或安於地面，而是如同順應氣流般靜靜地落下。據說根部在向外延伸的過程中，若遇到障礙物，會流動性地改變方向並流向他處。

根部的這種特性，與藝術家不消除不安與悲傷的源頭，而是減輕其重量的「鬆弛」創作方向十分相似。纖維的線條彷彿無論流向何處、與誰同行都無妨一般，自由地遊走與凝聚。此外，藝術家面對世界的尖銳階級，選擇了柔軟織物的寬容，其視角暗示了在脆弱內部堅毅生長的自主性的恢復。

Han Seon-u 將數位技術所媒介的當代身體與感官，以及其中產生的不安與慾望結構視覺化。藝術家結合 Photoshop 拼貼與類比繪畫，探討了在現代技術社會中，被重新建構的身體影像消費方式以及性別化的勞動結構。

〈懸掛的搖籃曲〉（2025）是著眼於家務勞動與照護責任被單方面轉嫁給女性這一點的作品。在以生命的人工生長為前提的溫室內，懸掛著不明物體。在其後方可以看到空蕩的搖籃、花紋包袱巾、沾有泥土的吸乳器與木馬，這些景象暗示了懸掛著的繭狀物即是嬰兒。

原本應被珍愛擁抱的包袱巾卻懸掛在空中，吸乳器被丟棄在地上，在這種陌生的景象之上，瀰漫著難以言喻的不安感。這顛覆了將母性僅定義為完美喜悅的社會神話，並讓人直視制度背後與家務勞動糾纏的壓迫與階級，以及女性的自主性。

Kwon Eun-bi 持續進行著發掘被社會忽視的微觀災難敘事，並創造「集體記憶」的實踐性工作。〈以廢墟殘骸織成的詩〉 (2025) 是將廢棄鋼琴轉化為織布機，並加入以口述表演製作的配樂之作品。

藝術家以為人類文明帶來革命性躍進的紡織產業歷史作為故事的開端。這與隱藏在產業背後的無數女性勞動者的犧牲，以及在現代韓國社會中仍不斷重複的社會災難中女性受害者的歷史，產生了冷峻的連結。藝術家透過將失去聲音的鋼琴琴弦替換為織布機的紗線，將悲劇的重量進行視覺化的結構化。

Jeon Jae-u 探討了建築超越物理結構，轉而成為虛擬媒介或資訊系統的可能性，並愉快地翻轉了現代建築的概念。他以跨越建築師與建築事務所界限的 HYPERSPANDREL 之名進行活動，探索建築中意外留下的縫隙與周邊。

這張照片曾作為有趣的圖片出現在網路社群中，引起人們的興趣與關注，而這不僅僅是單純的資訊性文字，而是真正的作品，這已是眾所周知的事實。Jeon Jae-u 的新作〈二樓沒有洗手間〉 (2026) 系列作品，關注於京畿道美術館二樓確實不存在洗手間這一實際空間條件。那些控制空間並引導動線的告示與標誌，對藝術家而言，本身就是界定空間邊界的最小建築行為。

藝術家刻意在美術館內外各處設置告示、電子看板、方向標誌等，使「不存在」的資訊過度增殖。作品使用 PVC 發泡片或電子看板等城市各處常見的臨時材料製成，功能如同實際的告示，干預觀眾的動線。藉此，觀眾在不斷接收到洗手間不存在的提示中，被納入這種奇妙的資訊環境裡。

在此過程中，作品將隱形地構成我們行為的空間制度規則，推向了最前線。正如藝術家比起永久性結構物，更關注暫時性體驗與空間縫隙的哲學，這類微小且幽默的告示風景，讓人能以全新的視角看待美術館熟悉的資訊環境。

本次展覽為了編織出包容差異並共存的新連帶，而捨棄了既定的道路。展覽中的「夏天」意指著循環的季節之外。夏天既是青年的今日，是不斷流逝的時間軌跡，也是絢爛生活的中心。

展覽方相關人士表示：「正如『我們』每個人都在度過各自的夏天，夏天是降臨在任何人生活中的瞬間。希望大家能在這個瞬間的中間，發現屬於我們的、以及屬於你的夏天。」