[现场速写] 与夏天相遇的26组团队的意外邂逅与记录《致我们的夏天》展
京畿道美术馆正在举办《致我们的夏天》展览，该展览汇集了26组在当代艺术界获得认可的青年艺术家，通过绘画、雕塑、装置、媒体、建筑等多种媒介，展示了当代艺术的多元性与跨界可能性。
在那个酷热的夏天仿佛已成遥远往事的当下，用不同艺术家的作品来为26年的最后一个夏天画上句号，会是怎样的体验呢？京畿道美术馆正在进行名为《致我们的夏天》的展览，该展览由26组在当代艺术界被认可其潜力的青年艺术家团队参与，并将持续至本月27日。
美术馆一直以来通过与工艺、设计、建筑等相邻领域进行交流，不断拓宽现代艺术的外延。如今的青年艺术家们则将这种交流延续得更加自由。正如从绘画开始的作品不断向立体领域扩展一样，对他们而言，流派并非界限，而是可以轻盈跨越的领域。由于其独立的实践本身即可成为一种流派，青年艺术家们通过作品证明了难以用制度语言定义的当代艺术的多样性。本次展览关注的正是这种灵活性，以及向任何事物扩散的可能性。
本次展览采取的方式是收回从流派角度审视的视线，转而在“艺术”这一广阔范畴内进行对话。因此，共有26组团队参与其中，涵盖了绘画、雕塑、装置、媒体、家具、建筑、陶瓷、设计、纤维、表演等全方位领域，开辟了与其他媒介相结合的扩展诠释之路。
ROS是一个从探索媒介与物质关系出发的创作者联盟，在每个项目中都会灵活改变参与艺术家的构成。本次联盟以陶瓷艺术家 Kim Si-wol 和 Sim Da-eun，表演艺术家 Lee Hyeong-ju 和 Lim Sol-mon，以及兼顾两种媒介的 Kang Ryu 为核心，根据项目需要，不同领域的艺术家有机协作，共同打造作品及其创作过程。
京畿道美术馆制作支持作品〈四片土地与泥土、运动、声音〉(2026)是追踪了江原道养古、京畿道南杨州八达里、全北林室以及安山京畿道美术馆附近这四个坐标点的旅程成果。艺术家们亲自收集的泥土和石头，以及在那里遇到的人们的故事，通过图像、声音和身体运动，转化为新的数据。由采集的泥土和耐火砖堆砌而成的装置柱体，结合了用野生泥土制作的乐器和四个地区的诗篇，并加上了以艺术家的视角记录四次旅程的影像，这一切构成了一个整体结构。
Kim Bo-kyung基于档案研究，通过考察城市历史，展开对我们无法感知的时空领域的思考。她主要收集通过建筑这一媒介所体现的历史、现象和感官，并将其结构化为印刷品、纺织品、装置等多种形式的视觉语言。
本次展览的核心作品〈莨苕群落：展开波浪 ver. 3〉(2026)源于艺术家在德国柏林作为异乡人生活时反复遇到的莨苕(Acanthus)纹样。这种纹样既是西方古典主义的象征，也常见于亚洲的殖民地建筑中。艺术家超越了固定的物理限制，追踪了沿着帝国主义航线移动的建筑图象与植物种类的扩张性，并将脱离原始生态系统被移植的存在者的杂合性，以拼贴形式的“群落”呈现出来。
位于展厅中心的系列作品〈双手的呼吸〉(2022-2025)是交替重复图像编辑与编织而完成的成果。通过编织线绳的身体往复运动，将过去的档案与现在的感官进行视觉上的连接，并捕捉了在空间中变形与进化的历史运动性。艺术家的这种表演性工作方式，可以被视为将不可见的感情与记忆物质化的媒介。
Lee Hae-ban以DMZ这一缓冲地带为背景，用视觉语言解读“边界”所具有的物理及概念性问题与疑问。艺术家从观察家乡铁原的DMZ风景出发，通过绘画、装置及立体艺术等多种方式，探索国境这一物理边界及其背后的概念属性。
在京畿道美术馆制作支持下呈现的〈绽放的集群〉(2026)与〈边界守护者〉(2026)可以被视为一个系列作品。这些作品深入探究了散布在边境地区风景中的军事符号、迷彩图案等限制性标识，是如何在风景中形成可见性与隐蔽、保护与威胁的结构的。艺术家将DMZ这一宏观的地缘政治风景，与散布于其中的军事物件表面的微观视角并置，通过在绘画中层层叠加，将历史指标转化为新的地形。
在云朵、波浪、雾气与光影残像重叠的画面上，装饰性图案与自然风景在被解构的同时也在被重构。填满墙面的画面呈现出梦幻且带有轻盈气息的氛围，让人感受到存在于权力与生存结构之外的细微紧张感。这不仅止于再现特定的风景，甚至灵活地混淆了存在着保存与分类秩序的“美术馆”空间，通过既熟悉又陌生的超现实风景，对边界提出了新的疑问。
Lee Hyeon-hwa以纤维为基础，探索生命与存在的叙事。通过挂毯(tapestry)、刺绣、素描(drawing)等技法跨越传统与现代的边界，并致力于通过在重复的织造过程中介入仪式性行为与身体感官，将无形的思考编织成物质形态的修行式创作。
〈祈愿之石〉(2024)源于“人类是向着死亡前进的有穷存在”这一存在主义思考，是将生命旅程中必然面对的焦虑或恐惧等痛苦，通过祭祀行为升华而成的造型挂毯作品。艺术家在经线上插入金属丝以建立立体结构，并有机地保持纬线的流动，尝试形态的变形。正如人类通过建立石塔、堆叠石头来寄托愿望一样，艺术家在让人联想到石头的非定型图像上用红线刻字，祈求生活的平安。
Lee Kyu-han是一位通过收集并重新组合大众文化图像与平凡消费品，从而提出事物新用途及新鲜视觉体验的艺术家。艺术家收集身边容易接触到的带有品牌Logo或漫画角色的物品，通过反复观察，将体验到的生活风景转化为复合的设计元素。
〈McDonald's Paper Bag Lighting〉(2025)系列是将工厂大规模生产的快餐品牌麦当劳的包装纸袋，与韩国传统纸张韩纸相结合，使其重生为照明装置艺术的作品。快速且即时的现代社会消费残余，与经过长时间匠人手作的工艺过程，在艺术家的创作过程中相遇，形成了奇妙的紧张感。
艺术家根据灯光的曲线，将分割的每个面上品牌固有的颜色与Logo进行解构并重新组合为几何图案，从而抹去了与资本主义系统挂钩的既有象征性。另一方面，放置在方形底座上的各种形态的作品，从地面向着天花板勾勒出流动的曲线并向上升腾。仿佛在点亮灯火的同时成群结队地绽放般的流动感，将观众吸引到作品的中心。
Kang Dong-hun 以作曲、编曲、哲学及纯美术专业所积累的多学科基础为基石，展示了跨越以声音为中心的表演、装置、影像等多种类型的作品。结合了表演与影像的〈Vesica Piscis〉 (2024) 在音乐结构中探索了两个相互映射并产生反应的存在之间的关系。作品名称“Vesica Piscis”是指两个半径相同的圆相互穿过彼此中心所形成的形状，象征着该作品同时包含重叠与分离的结构。
在低沉而宽广铺展开来的黑白画面周围，忧郁的大提琴声浓郁地弥漫开来。伴随着这段旋律，面对面坐着的双胞胎演员开始像被彼此吸引一样移动。艺术家将为被认为与人类最相似的乐器——大提琴所创作的“Binary Composition for Two Cellos”作为作品的听觉骨架。
作品中的演员们乍看之下仿佛在像照镜子一样对称地移动，但随着音乐从缓慢变为快速、从静止变为激烈的不和谐音的流动，他们很快便展现出了各自的独立性。艺术家通过作品将两个存在相遇并重叠时产生的千变万化的能量进行了视觉化呈现。
韩裔美国艺术家 Rachel Yoon 是一位通过将人工植物或物件与二手家用电器相结合，塑造出在机械与有机体之间游走的陌生存在的雕塑艺术家。艺术家以多层次的视角捕捉人造功能与自然生命力之间的关系，并持续进行着幽默与不适感并存的造型实验。本次展览展出的〈闪耀〉(2025)、〈Penitent〉(2025) 以及 〈训练〉(2025) 是将按摩器、运动器材、电动育儿用品等辅助人类身体与情感的机械，在现代社会的照护与消费结构中进行幽默化重新诠释的作品。
在被低沉的灯光与色彩照明所染色的空间中，木质置物架及其周围放置的作品让人感觉不像是简单的二手物品，而像是被赋予了生命的生命体。〈闪耀〉与〈Penitent〉在底部的支柱上穿上了玩偶用的旱冰鞋和幼儿鞋，给人一种仿佛正要走向某处的站立感。结合在一起的人工植物并非僵硬地固定，而是灵活地弯曲，勾勒出柔和的线条流动。在〈训练〉中，向下垂落的人造紫藤延续了这种流动，而紧紧抓着它的婴儿摇椅看起来就像是一个不愿松手的固定装置。
这些失去了原有功能与效率的器物重复着松散的动作，并与异质元素交织在一起，以扭曲的方式模仿人类的行为与情感。艺术家通过作品揭示了现代人如何通过物质与机械的形式来替代自我管理与照护的欲望，同时也讲述了机械最终无法完全替代人类根本欲望的事实。
Nam Da-hyeon 聪明地在创作与复制之间的边界游走，持续进行着讽刺当代资本主义消费文化与现代艺术的作品。装置作品〈2008年7月12日，青丘三期106栋507室〉 (2017-2026) 是艺术家依靠记忆重现其幼年居住过的公寓内部的空间。
走进作品内部，充满了对于经历过同时代的人来说极其熟悉的符号。屏幕上显示着 Cyworld Minihompy 的电脑，或是卡在餐桌腿上的网球等，乍看之下仿佛真实的物品。然而靠近观察就会发现，这一切都是艺术家用泡沫塑料雕刻而成的模型。虽然对象所指代的内容非常具体且具有考证性，但在再现的表面上却显露出了艺术家刻意的粗糙与简陋。这与作品背景——青丘三期106栋507室实际上并不存在的房号这一事实也是相呼应的。
艺术家与其精确地抹除记忆与事实之间的间隙，不如刻意制造模糊的边界线来增加虚构性。由此，观众不会将作品视为事实本身，而是会加入自己的记忆、情感与经验来予以接受。艺术家的这种召唤方式，是脱离了试图完美复原过去的强迫症，从而刻意暴露扭曲且遗失的记忆缝隙的一种实践。
由 Jeong Hye-ju、Seong Su-jin、Wi Seong-hwan、Kim Hyeon-tae、Kim Yun-ji 组成的 Team Pearl，如同由多层堆叠而成的珍珠一般，是一个将五个人不同的感官与经验编织成单一造型语言的集体（collective）。他们以艺术与技术的融合为基础，构建了名为“Sepafuturism”的独特虚拟世界观，并展示了利用 WebAR、扩展现实（XR）、人工智能（AI）等当代尖端技术的视知觉交互作品。
由 京畿道美术馆 资助制作的新作 〈塞帕里乌姆：万寿菊的残像〉 (2026) 是一个从“人类能否如实感知世界”这一问题出发的融合作品。作品中的虚拟领域“Separium”代表了在人类分类体系下被重构的世界，而改良后的植物种——万寿菊，则象征着人类与植物的共进化关系。当观众在平板电脑上输入梦境内容时，人工智能会对其进行分析，并将导出的解梦画面绘制在屏幕上。这展示了对象在人类设定的框架内被重构的过程。
Team Pearl 注意到，仅在人类认知范围之内成立的世界局限性，正与本次展览的主题“夏天”相契合。因为在强烈的阳光下，虽然一切似乎都清晰可见，但实际上，仅仅是由于我们想要看到的切面被凸显了出来，而并非整体的本质得以显现。试图用肉眼可见的局限性来裁剪具有不可预测可能性的青年动态性的视角，也处于同样的语境之中。〈塞帕里乌姆：万寿菊的残像〉引导我们在夏天光芒制造的残像中，重新审视我们自以为所知的世界。
Jeong So-yun 一直在探索以纤维为媒介治愈个人不安与悲伤的视觉手段。如果说此前的作品是试图控制和驾驭由外部诱发的内心动荡的收缩与紧张过程，那么最近的作品则迈向了如实接受情感流动的“松弛”阶段。艺术家将规格化的透明丝直接进行加工和染色，然后像用铅笔画线一样，用缝纫机编织出纤维绘画。完成作品的艰辛过程本身，看起来就像是一种修行式的实践。
本次展览展示的 〈松弛的方向〉 (2026) 系列，投影了艺术家变化的、灵活的心理轨迹。填满空间的非线性“根”图象，并没有顽强地抓紧地面或执着于在此安顿，而是如同顺应气流一般，温顺地降落。通常认为，根在向外延伸的路径中遇到障碍时，会灵活地改变方向并流向他处。
根的这种特征，与艺术家在不消除不安与悲伤源头的前提下，减轻其重量的“松弛”创作方向十分相似。纤维的线条仿佛在表达“无论流向何处，无论与谁在一起都可以”，自由地游弋与凝聚。此外，面对世界的尖锐等级制度，艺术家选择了柔软织物的宽容，这一视角暗示了在脆弱内部坚韧生长的主体性的恢复。
Han Seon-u 将数字技术所媒介的当代身体与感官，以及其中产生的焦虑与欲望结构可视化。艺术家结合 Photoshop 拼贴与模拟绘画，探索了在现代技术社会中被重构的身体图像的消费方式以及性别化的劳动结构。
〈悬挂的摇篮曲〉 (2025) 是基于家务劳动与照护责任被单方面转嫁给女性这一事实而创作的作品。在以生命的人工生长为前提的温室中，悬挂着不明物体。其后方可见的空荡摇篮、花纹包袱布、沾满泥土的吸奶器和木马，暗示了悬挂着的茧状物体即是婴儿。
本应被珍爱拥抱的包袱布却悬挂在空中，吸奶器被丢弃在地上，在这生疏的景象之上，笼罩着无法言喻的焦虑感。这颠覆了将母性仅定义为完美喜悦的社会神话，并直面了隐藏在制度背后的、与家务劳动相关的压迫与等级，以及女性的主体性。
Kwon Eun-bi 一直在从事发掘被社会边缘化的微观灾难叙事并创造“集体记忆”的实践性工作。《以废墟残骸织成的诗》(2025) 是将废弃钢琴转化为织布机，并加入通过口述表演制作的配乐的作品。
艺术家以为人类文明带来革命性飞跃的纺织工业历史作为故事的开端。这与隐藏在工业背后的无数女性劳动者的牺牲，以及在现代韩国社会中依然不断重复的社会灾难中女性受害者的历史与叙事冷峻地相连。艺术家通过将失去声音的钢琴弦替换为织布机的线，将悲剧的重量进行了视觉化的结构处理。
Jeon Jae-u 探索了建筑超越物理结构而替代为虚拟媒介或信息系统的可能性，愉快地颠覆了现代建筑的概念。他以跨越建筑师与建筑事务所边界的 HYPERSPANDREL 之名进行活动，探索建筑中意外留下的缝隙与周边部分。
这张照片曾作为有趣的图片上传到网络社区，引起了人们的兴趣和关注，而现在这已是众所周知的事实：它并非单纯的信息性文字，而是真正的作品。Jeon Jae-u 的新作《二楼没有洗手间》(2026) 系列作品关注于京畿道美术馆二楼确实不存在洗手间这一实际空间条件。那些控制空间并引导动线的指示牌和标志，对艺术家而言，其本身就是规定空间边界的最小建筑行为。
艺术家刻意在美术馆内外各处安装指示牌、电子显示屏、方向标志等，使“缺失”的信息过度增殖。作品由 PVC 发泡板或电子显示屏等城市各处常用的临时材料制成，其功能如同真实的指示牌，干预观众的动线。由此，观众在不断被告知洗手间缺失的过程中，被纳入了这种奇妙的信息环境中。
在此过程中，作品将那些在无形中构成我们行为的空间制度规则推向了台前。正如艺术家一直关注临时体验与空间缝隙而非永久性结构物的哲学一样，这种琐碎且幽默的指示牌景观，让人们能够以全新的视角看待美术馆熟悉的信息环境。
本次展览为了编织出包容差异并共存的新型纽带，而移除了既定的路径。展览中的“夏天”意味着超越循环季节本身的意义。夏天既是青年的当下，是不断流逝的时间轨迹，也是绚烂生活的中心。
展览方面相关人士表示：“正如‘我们’每个人都在度过各自的夏天一样，夏天是降临在任何人生活中的瞬间。希望在这一瞬间的中心，能够发现我们的、以及您的夏天。”
Reporter at HANDMAKER (핸드메이커), a Korean magazine devoted to crafts and handmade culture. Covers exhibitions, traditional crafts and the makers behind them.
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