[现场速写] 将所有存在视为单一生命的艺术家的旅程，首尔美术馆林直淳逝世30周年特别展《我想描绘内心的世界》

首尔美术馆正在举办名为《我想描绘内心的世界》的策划展，旨在展望即将于2026年迎来逝世30周年的林直淳的生平与艺术世界，展览将持续至2027年2月14日（周日）。

此次为纪念逝世30周年而筹备的展览，是一个重新邂逅林直淳留下的色彩、光影以及深邃内心世界的场合。在本次展览中，可以领略到他直到最后一刻都在观察并试图描绘世界的目光与心境。

作为纪念林直淳逝世30周年的展览，本次展览以历代最大规模呈现。特别是在众多美术馆、画廊及个人收藏家的帮助下，本次展览得以构建出更加深厚且广泛的规模。展览以约80件油画为中心，同时展出素描、水彩、版画等多种媒介的作品。此外，还将公开艺术家生前直接使用的画架、调色板、画笔和颜料等画具，以及家具和生活用品等30余件遗物。

他的作品让人从熟悉的物体中重新发现美，并通过观看作品来审视自己的内心。而在那目光的尽头，站着一位直到最后都没有放下画笔的人。

1960年代

在光州定居的林直淳，通过邂逅韩国南部风景与无等山，将作品的目光扩展到了自然之中。他将此前喜爱的女人与花朵，以及山野、周边风景等都装入画幅，表现出了韩国南部特有的温暖情感与生命感。

他在稳定且扎实的构图之上，加上充满力量的笔触以及温暖而强烈的色彩，开创了属于自己的绘画世界；他并不止步于忠实地再现对象，而是追求人物、花朵与背景相互融合的造型美。特别是女人与花朵，对他而言已超越了单纯的素材，成为了让他发现生命力量与美的核心对象。


1970年代

在巴黎接触印象派并经历突发疾病后，他观察对象的目光变得更加深邃。在探索随光线变化的色彩时，他逐渐脱离了单纯搬移肉眼所见景象的阶段，转而试图将面对对象时感受到的情感以及其中蕴含的本质呈现在画面上。

色彩超越了说明形态的手段，成为了构成画面的重要要素，并通过简化的形象与大胆的笔触开始展现内在情感。他试图通过观察女人与花朵来发现其中蕴含的生命力，这种关注逐渐转向了存在于具体对象之外的情感与本质。


1980年代

1980年代是其作品活动最为旺盛的时期，也是长期探求的自身艺术世界达到巅峰并绚烂绽放的时期。他通过写生将素材范围扩大到山川、大海、港口等自然领域，同时在女性与花卉等既有主题中，不再仅仅是再现对象，而是更深入地探求色彩、线条与笔触所创造出的造型和谐。
 

在结合了大胆线条、强烈色彩与厚重肌理的画面中，生动地展现了面对自然与对象时所感受到的感触。特别是本次展览，集中展示了代表林直淳艺术世界的女性坐像，以及以花卉与花瓶为中心的静物画。通过用其独特的色彩与笔触对一生中反复处理的素材进行全新变奏，可以集中观察到人物、花卉与背景在同一画面中达成和谐的绘画特征。


1990年代

即使在从1988年开始的肾脏病抗争过程中仍坚持创作的林直淳，随着晚年逐渐大胆地剥离对象的形态与说明性元素，转而集中于线条、色彩与有力的笔触。包括自然在内的具体素材逐渐变得简化，并向抽象画面转变。

与其再现肉眼可见的自然色彩，不如寻找自己感受到的本质色彩的态度，在作品中表现得更加清晰。他通过厚重的肌理、自由的笔触与强烈的色彩，凝聚并捕捉了自然与生命的本质，将一生持续的内心探求通过更加深化的造型语言表达出来。
 

本次展览最特别的点之一在于，不仅能看到作品，还能见到林直淳实际绘画时使用的空间与物品。在展厅入口处，布置了艺术家生前使用的家具与小物件，以便让人联想到林直淳实际的工作空间。

特别是林直淳在画人物画时，会亲自挑选模特并请其到家中进行建模，在现场观察人物并进行创作。展览同时展出了他画人物坐像时最爱使用的藤编安乐椅，以及描绘坐在该椅子上的女性模特的代表作，提供了将作品中的空间与实际工作空间相连接的体验。
 

在画室里直到最后都在使用的调色板上干涸的颜料、画笔与画架等，生动地展示了艺术家生前是在怎样的环境中进行创作的。通过同时观看作品与遗物的体验，观众可以近距离接触到不再是“留下作品的艺术家”，而是“每天都在画画的一个人”的林直淳。
 

林直淳常被记忆为“花卉与女性的画家”。本次展览也展示了大量描绘坐在画室或书房中的少女、清纯且端庄的女性形象的人物画，以及将玫瑰等各种花卉插在花瓶与花罐中的静物画。然而，林直淳的艺术世界并未止步于人物与静物。他也终其一生均衡地探求着可以称之为西方绘画传统主要主题的人物、静物与风景。
 

本次展览将一同公开他亲自面对的各种风景画，以及作为创作起点的照片、在现场留下的素描和水彩画等。通过这些，可以观察到一片风景是如何经过艺术家的视角转化为绘画的。

旅行对林直淳来说既是唯一的爱好，也是创作的重要时间。比起用照片记录风景后再将其原样搬移的创作方式，他更看重直接面对山海、港口与自然，并将现场感受到的感触以素描和水彩画形式记录下来的方式。在现场留下的素描会带回画室，艺术家以此为基础完成油画。

在林直淳的风景画中，重要的不是对眼前风景进行了多么写实的再现，而是在面对那片风景时，艺术家感受到了什么、留下了怎样的印象，以及如何用自己的色彩和笔触对其进行重新诠释。

林直淳所描绘的是花卉与女人、山脉与海洋等熟悉的对象。然而，他所注视的超越了对象的表象，而是其中蕴含的生命力量与美，以及面对它们时自己的内心。在无数图像被快速消费的今天，林直淳的画作反而让人重新思考缓慢注视的意义。

1996年7月，韩国美术界的巨星云昌林直淳逝世。尽管在约10年间一直与肾脏病作斗争，但他从未放下画笔，最终因突然恶化的心力衰竭而结束了生命。

葬礼结束后，家属面对的是艺术家直到最后时刻仍在工作的画室，以及留在那里的一件未完成作品。这是艺术家在逝世前一年，为了将在美国看到的异国风情呈现在画布上，直到最后一刻都在倾注灵魂的作品。然而，作品终究未能完成。在放下画笔的那一刻便保持原样的未完成画面，完整地保留了艺术家的最后气息以及对艺术的执念。

在本次首尔美术馆林直淳逝世30周年特别展中，将首次公开这件未完成遗作以及艺术家生前使用的画架。这是一个可以面对林直淳最后创作过程，以及他直到最后都试图捕捉的风景的机会，而这在仅看完成作品时是无法看到的。特别是这件作品不仅具有作品本身的完成度，也是证明一位终身绘画的艺术家直到最后一刻都没有放下画笔的重要记录。

展览相关人士表示：“值此林直淳逝世30周年之际，为了纪念这位观察世界并在其中挖掘内心、直到最后一刻都没有放下画笔的艺术家，我们筹备了此次展览，希望这能成为一个再次缅怀他奉献一生的艺术，并长久铭记他留下的色彩、光影以及深邃内心世界的场合。”

另一方面，首尔美术馆将同时进行2026年下半年的策划展《大体如此，也并非如此》（至2027年2月14日）以及《共同生活：聚在一起，成为某物》（至2026年12月27日）。《大体如此，也并非如此》通过28位艺术家的视角，解读在“是”与“不是”之间共存的不同视角的众生故事；而《共同生活：聚在一起，成为某物》则通过三位艺术家从同一种材料出发创造出不同世界的视角，来探讨当代雕塑的多样可能性。

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