[現場スケッチ] 切り取り、繋ぎ、移す写真、記録を超えて新たな可能性を示す…日本・中国の写真作家グループ展《TRANSITION》

写真はもはや、目の前の現実をそのまま記録することに留まらない。カメラで捉えたイメージは、切り取られ、重なり、再び配列されることで、実際の世界とはまた異なる意味を生み出す。現実とイメージの境界が曖昧になる今、写真はどこまで変化し、拡張され得るのだろうか。
 

ギャラリー・カラービートでは、写真作家グループ展《TRANSITION》が開催されている。今回の展示は、日本と中国の作家5名が4チームで参加し、現実とイメージ、写真と異なる媒体の間の境界を行き来する作品を披露する。「TRANSITION」という展示名のように、写真が一つの記録を超えて他の形態や意味へと変化する過程に注目し、写真を新しい方法で拡張する作家たちを紹介する。

作家たちは、石を情報へと移し、繰り返される日常を再び配列し、存在していたが誰も見ることができなかった展示を記録として証明し、平面のイメージを切り取って新しい形態を作り出したりもする。写真を単なる記録物ではなく、情報を移し、現実を再構成し、新しい形態を作り出す一つの媒体として活用しているのだ。

展示を企画したKeiju Kitaキュレーターは、「現実とイメージ、写真的なものと非写真的なものがグラデーションでつながる場所」を「TRANSITION」と説明する。写真と写真ではないものの間を明確に区分するのではなく、互いに影響を与え合いながら変化する中間地帯に注目したのである。


石と日常、互いの場所を入れ替える
- PIDAN & Eri Minamikawa

中国出身のPIDAN作家と日本のEri Minamikawa作家がチームを組み、作品を披露した。PIDAN作家は「石」を主要なモチーフとし、現実に存在する物質が写真を通じてイメージと情報へと変換される過程に関心を寄せる。これを通じて、現代社会において私たちが言う「現実」はどこに存在するのか、写真という媒体が現実をどのように移し、変化させ得るのかを問いかける。

Eri Minamikawa作家は、結婚と育児という個人的な経験から作業を開始する。家族と共に過ごす日常を写真で記録しながら、社会が一個人に「母親」という役割をどのように付与し、固定するのかを覗き見る。特に、数日にわたって1分間隔で撮影した写真を24時間の時間軸に合わせて再び配列することで、繰り返されるケアと日常の中で一つの「平均的な一日」を作り出す。

異なる素材から出発した二人の作家の作業は、事物や個人が社会によって付与された一つの意味や記号へと固定される過程という点で交差する。
 

二人の作家の作品を見ると、石が積み重なっている自然を背景に、一つの石がパズルのピースのように抜け出している。その間を日常的な姿が埋めている。展示のテーマを離れてこれらの作品を見ると、私たちの日常は自然の極めて一部に過ぎないという現実を示しているかのようだ。

数多くの石の間に、1分余りの日常の瞬間は平凡な瞬間であり、積み重なった石が集まって一つの塊を成すように、1分の日常が集まって一日という大切な時間となる。そのように見れば、一つの石と1分の瞬間は、それぞれ巨大な風景と一人の人生を構成する小さな単位のように重なって見える。

しかし、二人の作家はこのようなイメージの交差を通じて、事物や個人に慣習的に付与されていた意味を揺さぶる。PIDAN作家の石は、固定された自然風景から切り離されて移動可能な一つのイメージであり情報となり、Eri Minamikawa作家の日常写真は、その場所を代わりにし、「母親」という役割に縛られていた個人の人生を全く異なる文脈の中に置く。石と日常という異なるイメージが結合することで、それぞれに慣れ親しんでいた意味も一時的に乱される。
 

そうして背景から切り取られた一つの石は、日常の一場面と結合することで、新たな意味と情報を持つようになる。単なる自然の中の構成物であった石が、ある人の人生と時間を繋ぐ媒介となるのだ。視覚的な平面イメージであった写真が、異なるイメージと出会うことでまた別の意味として読み解かれること、これこそが今回の展示で企画者と作家が作り出すシナジーなのだ。

写真の中の日常と作品に記された時間を共に眺めていると、「この時間にはこんな瞬間があり得るのだ」と自然に共感させられる。特にEri Minamikawa作家のように、家族を世話しながら一日を過ごす「母親」であれば、より親しみを感じる場面だろう。
 

今度は逆に、Eri Minamikawa作家の作品集の中にPIDAN作家の石が入り込んだ形だ。Eri Minamikawa作家の日常写真は、石と同じ形に切り抜かれて作品集の外に立体的に置かれ、その空いた場所を実際の石が代行する。平面に留まっていた日常のイメージが写真の外へと飛び出し、一つの物質のように存在し、逆に実際の石は写真の一部となるのだ。

興味深い点は、作品に使用された石をPIDAN作家がオンラインで購入したという点だ。石を主要なモチーフとして使用するが、自然に置かれた石を自身の作業のために恣意的に持ち去ることは正しくないと考え、他の人がすでに拾って販売している石をオンラインで手に入れるという。
 

二人の作家がコラボレーションした作品は、作家それぞれが追求する作品哲学により一層集中させる。作品を詳しく見てみると、片方の隅に写真を撮影した時間が記されていることが確認できる。Eri Minamikawa作家が時間ごとに日常を収め、一冊の本として構成したものだ。

その厚み分だけ積み重なった瞬間を見つめていると、作家と母親という二つの役割を共に生きるEri Minamikawa作家の一日が、どれほど密やかで重みのあるものかを考えさせられる。おそらく、PIDAN作家が埋め入れた石のように、確かな重みを持ちながらも、いつの間にか日常の中に自然に噛み合っている時間なのではないだろうか。
 

Eri Minamikawa作家の〈A Day Roll〉は、家族と過ごす日常を1分間隔で撮影した写真を長く繋ぎ、円筒の形に立てた作品である。異なる日付の写真を実際の日付とは関係なく24時間の流れに合わせて配列することで、特定の特定の一日ではなく、作家の「平均的な一日」を見せている。随所に表示された時間と繰り返される日常の場面は、平凡な瞬間がいかにして一日を構成しているのかを可視化している。

一枚ずつ見れば、食事の準備をしたり子供と時間を過ごしたりする慣れ親しんだ風景だが、数多くの写真が続くことで、その平凡さはむしろ重みを持って迫ってくる。作家と母親という二つの役割を同時に生きる時間が積み重なり、「何もなかった一日」のように見える瞬間も、誰かにとっては絶えず何かを成し遂げていた時間であったということを想起させる。
 

異なる地点から出発した二人の作家の作業は、展示室内で互いの空白を埋め合いながら、新たな場面を作り出す。石はもはや固定された自然の一部に留まらず、日常もまた単なる個人の記録としてのみ残るのではない。イメージと物質、自然と日常が互いに場所を入れ替える瞬間、一つの意味に固定されていた対象は、再び異なる方法で読み解かれ始める。これが二人の作家が見せるもう一つの「TRANSITION」である。


誰も見ていない、作家だけが知る展示
- Akihiro Onakado

Akihiro Onakado作家は、写真を単にイメージを作り出す行為として捉えるのではなく、ある場所で起こった出来事を他の人や場所、時間へと「運搬する媒体」という観点からアプローチする。特に、実際の展示と、それを記録し伝えるイメージおよび文書の中で、何が展示の実体を構成するのかを問いかける。
 

作家は森や海岸などの屋外空間で、観覧客が一人もいない展示を開催する。インスタントカメラを用いて作品を設置する自身の姿と、その空間で時間を過ごす姿を撮影した後、その写真を現場ですぐに額に入れて掲示する。その瞬間が展示の開始時点である。そうして展示は数時間の間行われる。

展示があることを知る人も、展示を見に来る人もいない。そうして作家だけが知る秘密の展示が開かれるのである。作品を設置する行為と、それを記録した写真、再びその写真を展示する過程が連続的に続くのみである。

ゆえに展示は、実際に存在しながらも存在しない、誰も目撃しなかった一つの出来事となる。独特な方式の作品哲学は、Onakado作家が重要視する「運搬」にある。誰かが直接見ることができなかったとしても、写真と記録が他の場所や時間へと伝えられることで、そこでどのようなことが実際に起こったのかを証明できるという考えをよく示している。
 

Onakado氏は、展示の企画から作品の紹介、どのようなテーマでプロジェクトを進行したかを示す概要はもちろん、架空の作品紹介記事や展示を見た観客のレビューまで自ら作り上げる。企画者であり作家、記録者、さらには観客の役割まで担い、展示に必要なすべての要素を一人で構成していると言える。

だからといって、これらすべてを単なる「架空」と切り捨てることもできない。誰も見ていなかっただけで、作家は実際の森や海岸で作品を設置し、展示を進行させているからだ。実際にあった出来事の上に虚構の記録を付け加え、再びその記録を通じて展示の存在を想像させること。現実と虚構の境界を巧みに往来する点が、Onakado氏の作業の魅力である。
 

何よりもOnakado氏の展示は、「生（なま）」であるという点で新鮮に感じられる。一般的に展示は、観客が作品を心地よく鑑賞でき、それぞれの作品が際立つように、整然と計画的に構成される。作品は一定の間隔と動線に従って配置され、観客はそうして整えられた状態で完成された展示と向き合う。

対照的に、Onakado氏が森や海岸で進行した展示は、自然の一部と、その中で作品を設置し時間を過ごす作家自身の姿までもそのまま含んでいる。現場で実際に掛かっていた作品と、今ギャラリーで私たちが向き合っている作品は同じものではない。一方は特定の場所と時間の中で起こった「出来事」に近く、もう一方はその出来事を写真や文書で再び伝えるために整えられた結果物である。

興味深い点は、観客が現在のギャラリーで完成された結果物だけを見るならば、その違いを容易に知ることはできないということだ。作家が〈Exhibition Proposal〉や〈Exhibition Review #1, #2〉、〈Viewer's Letter〉などの記録を通じて、当時の展示方式や過程を公開しなければ、私たちは森や海でどのような展示が実際に開かれたのかを知ることはできない。結局、Onakado氏の作業は「展示を見る」とはどういうことか、そして私たちが目にしているものが実際の出来事なのか、それともその出来事を代行する記録なのかを、改めて考えさせる。
 

Onakado氏は最後に、最後まで自身の意図を逃さない。展示が締めくくられると、これを再び撮影して、別途の Instagram アカウントに投稿する。しかし、このアカウントは非公開であり、やはり作家のみが確認できる。そうして展示は徹底的に秘密に付される。

〈Photographer's account〉は、そうしてオンラインへと移された展示の痕跡を、再び一つの写真作品へと戻していく。実際の森や海岸から始まった展示は写真として記録され、SNSという別の空間へと移動した後、再びギャラリーの中のイメージとなる。展示自体はすでに終わっているが、記録は媒体と場所を変えながら、絶えず「運搬」されているのである。

これは、写真家をイメージを捉える「シューター（shooter）」ではなく、出来事や情報を他の場所や時間へと移す「キャリア（carrier）」として捉えるAkihiro Onakadoの考えとも通じている。誰も目にすることのできなかった展示は、写真と記録を通じて初めて他者に伝わり、結局「実際にあった出来事」と「その出来事を見せるイメージ」のどちらが展示を存在させるのかという問いを残す。


外見で規定する視線、「キノコ」へと解体する
- Qingyu Tang

中国出身のQingyu Tangは、ニューヨークと上海でファッションフォトグラファーとして活動した経験に基づき、外見と性別、他者の視線が一人を規定する方法を探求する。ファッション写真の現場で人をイメージとして見せる作業を行ってきただけに、人々が他人を見て「この人を理解した」と判断する際、実際に何を見ているのかに対して敏感に反応する。
 

今回の展示でQingyu Tangは、ブロンドのショートヘアや目、唇など、自身の身体的特徴を撮影した写真を用いて作品を制作した。作家は自身の身体イメージを切り抜いた後、山折りと谷折りを繰り返すことで、平面の写真を入体的なキノコの形へと組み立てる。

作品が与える視覚的な印象は確かだ。マッシュルームのような形の写真が、まるで造形彫刻のように垂れ下がっている。その中には作家の目と口、髪の毛が入っており、実際の人物を再構成しているという点で、ある人は拒絶反応を感じるかもしれないし、ある人は面白いと感じるかもしれない。

おそらくQingyu Tangは、外見に対する人々の多様な評価を、写真でありながら造形的な形で示そうとしたのではないだろうか。それぞれの写真を詳しく見ると、美しい目や口が見えることもあるが、瞳がないこともあり、恐怖を感じさせることもある。
 

同様の形の造形物は、溢れ出す瞬間を捉えたかのように垂れ下がったり、壁に掛かって落ちていくかのようであったりする。造形物でありながら、一瞬を捉える写真のような感覚を同時に与える。

特に、同じ身体イメージが複数のキノコの形で繰り返され、増殖していく姿は、ソーシャルメディアで一つのイメージと評価が「いいね」に乗って絶えず複製され拡散される様子を彷彿とさせる。作家はこれを通じて、他者の視線によって作られた「自分」のイメージが、どこまで本当の自分を示しているのかを問いかける。
 

作品が与える感覚の中には、男性と女性という二分法的な性別のイメージから脱却しようとする作家の反抗心も感じられる。キノコのような形で作られた姿は、特定の性別と断定できないほどに解体されている。性別に対する固定観念で他者を判断する視線に問いを投げかけているようだ。

この点において、Qingyu Tangの哲学が明確に伝わってくる。外見や性別という馴染み深い基準で一人の人間を容易に規定しようとする視線を解体し、その枠組みから外れた新しい存在の姿を見せようとしているのだ。


日常を切り、編み、再び自分のものに
- Misuzu Kosaka

Misuzu Kosaka作家は、自身の部屋や個人的な生活の風景を撮影した写真を切り、再び「編む」方式で作業を行う。完成されたイメージを示す写真を、再び一つの物質的な材料へと戻した後、それを経糸（たていと）と緯糸（よこいと）のように交差させ、新しい形態のイメージとして再構成する。
 

〈star-shaped cut_sink〉は、自身の生活空間を撮影した写真を細く切り、経糸と緯糸のように編んだ後、長く垂らした作品である。写真はもはや一つの場面を見せる平面に留まらず、切り、編まれる過程を経て、布や断片のような物性を持つ形態へと変化する。作品の一部が床まで長く続いていることで、写真が壁という枠を脱し、実際の空間へと流れ出しているような姿も見られる。

タイトルに登場する「sink」は、台所のシンクを意味する。しかし、作品のタイトルを知らずに鑑賞する場合、このイメージの出発点がシンクであったという事実に気づくことは容易ではない。Kosaka作家が馴染み深い生活空間のイメージを細かく解体し、再び編み直すことで、元の形態と文脈をほとんど消し去ったからである。

毎日繰り返して向き合いながらも、大きく意識することのない場所や時間を細かく解体し、再び手で編み直すことで、平凡な日常の一場面に新しい形態と価値を付与する。無意識に通り過ぎていた私的な時間が、作家の手を経て再び自分のものへと戻ってくる過程のように読み取れる。
 

〈star-shaped cut_panties〉もまた、写真を細かく切り、密に編んで作った作品である。遠くから見れば一つの抽象的な形象のように見えるが、近くに寄れば小さな写真の断片が互いに交差して表面を成しているという事実を確認できる。もともと写真の中に収められていた具体的な場面は解体され、代わりに手で編んだ痕跡と材料の質感がより鮮明になる。

特に、下着という極めて私的で身体に近い対象をタイトルに持ってきた点が興味深い。Kosaka作家が日常の労働の中で忘れられやすい私生活の時間と身体性を取り戻そうとしていることを考えると、この作品もまた、社会で見せられる姿よりも、その背後に存在する個人の私的な生活と身体を再び見つめ直させる。
写真を編む行為が、すなわち自分の日常を再び手に握る方式であるといえるのだ。
 

Kosaka作家は最近、自身の生活空間を撮影した写真を身体と重なるような形で拡張し、繰り返される労働の中で容易に忘れられる個人の時間と身体性を、再び自分のものとして取り戻そうとしている。

〈legs for star rating〉は、写真を切り、編んだ形態がまるで人の脚のように長く伸びている作品である。平面であった写真は、曲げられ、重なり合うことで、身体の一部を連想させる立体的な形象へと変わる。イメージと身体が互いに重なり合うことで、写真の中に留まっていた個人の日常が、実際の身体を持つかのように空間の中へと現れる。

タイトルの「star rating」は、Kosaka作家が会社員時代に経験したポイント制度と結びついている。「良いこと」をすれば点数を得るシステムを経験し、作家は人々が一つのシステムのために容易に努力し行動してしまう姿に奇妙さを感じたという。
絶えず動きながら働く「脚」と、点数を付けるシステムが出会うことで、私たちは何のために毎日動いているのかを問い直させる。

〈hands for star rating〉では、小さな文字や数字、記号などが印刷された納税通知書のような紙が幾重にも切り取られ、編み合わされることで、手を連想させる形態を成している。滑らかに完成された写真よりも、引き裂かれ重なり合った縁や手作業の痕跡がそのまま現れており、作品を作る行為自体がより際立っている。

「手」はMisuzu Kosakaの作業方式とも密接に関わっている。写真を撮影して終わりではなく、自ら切り、編み、再び形を作る過程には、反復的な労働が必要だからである。ここに「star rating」という評価システムが結びつくことで、何かを成し遂げ点数を得るために絶えず動く手と、その過程で蓄積される個人の時間が共に浮かび上がる。

〈toe for star rating〉は前の作品よりも小さなサイズで、つま先を連想させる形態を写真の断片として作り出している。身体全体ではなく、ごく小さな一部だけを切り取ったような姿は、日常の中で容易に見過ごしてしまう瞬間を捉えて収集するMisuzu Kosakaの作業方式とも似ている。写真の痕跡は残っているものの、元々何を撮影したものなのかは容易には判別できず、一つの見慣れない物体のように迫ってくる。

Misuzu Kosakaは、自身の日常における時間や契機、機会を一つずつ「星」のように切り取り、収集することで、その価値を目に見える形にする。その点において、小さなつま先一つも、取るに足りない些細な部分ではなく、一人の人生を構成する一部となる。目立ちにくい身体の小さな部分までも作品へと引き上げることで、評価や点数に換算されない日常の価値までも再び見つめ直させる。

展示は本日（18日）に終了する。