[現場直擊] 2026京畿陶瓷雙年展 ① 泥土與地球共同譜寫的創作旅程，《Earth Makes》展

於18日開幕的2026京畿陶瓷雙年展將在利川、廣州、驪州等京畿道一帶持續進行至11月1日。主題為「Earth Makes」，除了本展外，還包括國際徵集展、名匠展等共計7個不同的展覽正在舉行。

於利川京畿陶瓷美術館展出至11月1日的本展《Earth Makes》，將陶瓷視為地球力量在時間中顯現的活生生媒介。泥土並非僅僅接受形狀的被動材料，而是透過熱與重力、水分與壓力、化學反應以及不可預測的變形，與藝術家共同作業的主動合作者。

展覽並未停留在「是誰製作了它？」這個問題上，而是思考當人類的製作與物質自身形成的能量進行對話時，會產生什麼樣的現象。展覽由「泥土製作」、「土地製作」、「地球製作」共三個章節組成。

「泥土製作」章節追隨了泥土、水、火相遇並轉化為單一形狀與存在的過程。黏土並非僅由藝術家的手被動塑造的材料，而是會乾燥、裂開、彎曲並自我反應的活生生物質。參與的藝術家們細心感受泥土的重量與濕度、窯爐的熱度以及大氣的變化，比起完全控制形狀，更傾向於傾聽物質所展現的律動。

此時出現的裂縫與扭曲、色彩的變化與偶然的痕跡，並非失敗或缺陷，而是完成作品的重要元素。這一章展示了陶瓷並非僅憑人類意志即可完成，而是泥土、水、火、時間與地球條件共同塑造的生成結果。

〈大地的內在〉是用黏土與石膏塑造的洞穴形狀雕塑，內部內嵌了畫面。在這個對成人而言稍矮、對兒童而言稍高的入口前，身材高大的觀眾必須彎下腰，而幼童則必須站在踏腳凳上，才能窺見內部的畫面。

藝術家認為，年紀越小的孩子與泥土的本能連結越深，隨著年齡增長，這種感覺會逐漸遠離。這個要求每個人以不同姿勢彎腰或站立的洞穴，讓人為了找回遺忘的感覺，而必須重新調整各自的身體。

Kim Si-yeong 探究韓國傳統黑釉陶瓷已40餘年，並將其發展為自己的造型語言。被稱為「火焰的煉金術士」的藝術家將火視為創作的夥伴，探究泥土與火相遇後產生意想不到的色彩與形狀的窯變，以及隨著光線多樣呈現的結構色。

在〈Planet〉系列中，透過使用不同地區的泥土，並改變窯爐溫度、內部條件與燒製時間，來引導形狀、色彩與表面的變化。就這樣誕生的作品，如同各自擁有不同光澤與表情的行星般聚集在一起，構成了一個由泥土與火所塑造的微觀宇宙。

「章節2 土地製作」探討了地域性與場所性是如何形成特定的陶瓷文化。泥土的顆粒、水的性質、氣候差異等環境條件，影響了各個地區所使用的器皿形狀與色彩、儲存、飲食與分享的方式，進而影響了共同體的文化實踐。

參與藝術家從當地的泥土與生活文化、儲存智慧與日常工具出發，將累積在特定場所的時間與記憶轉化為作品。本場的陶瓷作品蘊含了土地與人類長期共同塑造的文化景觀，陶瓷不僅是個人的創作物，更擴展為土地、社群、自然與生活相互交織所形成的地球感官紀錄。
 

〈考古景觀/火之曼陀羅〉是藝術家以長期觀察的黃海灘塗帶為素材的裝置作品。藝術家不將灘塗僅視為自然的一部分，而是將其視為展現潮汐與海洋生物活動不斷刻劃與抹去的「時間流逝」之邊界。

燒製從灘塗中採集的泥土之過程，同時引發了消亡與向新狀態的轉移，創造出一個已消失的痕跡與尚未顯露的痕跡共同堆疊的考古場所。如此重構的景觀對人類文明長期以來對自然施加的暴力性提出了質問，並靜靜地提議文明與自然之間的和解。
 

〈關於生命與神話〉是藝術家將童年度過的奇瓦瓦沙漠記憶、自身的移居經驗，與阿茲特克神話中 Malinalxochitl 的故事（阿茲特克神話中的女神，其名字源自納瓦特爾語中意為「乾草」的「malinali」與意為「花」的「xochitl」）重疊而成的裝置作品。藝術家將沙漠視為在邊界之間發生變化的 Nepantla 空間（納瓦特爾語中意為「之間」或「中間」，指不同邊界相遇並產生緊張、變化與新生成的過渡狀態或空間）。

在移居旅程中被遺棄的 Malinalxochitl 的故事，延伸到了女性、移居者及邊緣化存在的療癒與轉化。藝術家透過將過去在格蘭德河兩側奇瓦瓦沙漠所設置的仙人掌雕塑之黏土磨碎並混入釉料，將童年的沙漠與現在的創作在物質上連結起來。就這樣，蘊含著記憶與轉化的三尊仙人掌，連結了大地、人類與天空。
 

Birender Kumar Yadav 以身為礦場鐵匠之子的成長經歷為基礎，持續探討權力結構與勞動階級之間的緊張關係。〈勞動停留之處〉是在具有落差的木板上，整齊排列陶瓷鑄造工具的地點特定性（site-specific）裝置作品。

這些工具既是支撐生計的物體，也包含了對勞動後獲得解放之身體的尊重。透過與韓國陶藝高中的學生合作完成的這件作品，將印度的礦場工具與韓國的韓屋建築工具並列放置，層層疊加了橫跨不同時間與文化的勞動記憶。
 

〈好奇心〉源於藝術家 20 多年前在某地方山丘挖土時，發現深層地下土層中生活垃圾層層堆疊的經驗。這幅保留了人類痕跡的廢棄物如文物般顯露的景象，同時引發了不快感與陌生的好奇心，讓人得以窺視被掩蓋的時間層。

藝術家在透明的管狀物中層層堆疊填充了塑膠袋、泥土、落葉與穀物，並用石頭製作支撐架，最後在頂部立起樹枝。這件自然物與人工物交織的作品，讓人自然地回溯土地吸收人類痕跡並形成新地層的方式。
 

「Earth Makes」將陶瓷不視為古老的工藝形式，而是視為一種讓地球物質自行記錄時間並想像未來的當代媒介。泥土、水與火經由人類之手成為器皿與造型物，但其中也共同刻劃著氣候與地質、勞動與技術、移動的歷史。

當今的陶瓷與人工智慧、數位影像、虛擬環境相遇，不再僅僅停留於過去的遺產。相反地，它成為了一種透過最古老的材料，去探問最遙遠未來的語言。本章展示了陶瓷如何成為連結人類與自然、地域與世界、物質與非物質的感官裝置，並在全球連帶的感官中，探問在氣候危機之後的時代，我們該如何共同創造、共同忍受並共同生存。
 

〈大家的游泳池〉是一件透過水的缺席，將公共游泳池重新建構成陌生且具詩意空間的裝置作品。在抽乾水的游泳池中，扭曲的泳道線、凝固的泳衣與拖鞋、融化的沙灘球，皆以陶瓷雕塑的形式呈現。這些熟悉的物品以多樣的色彩與奇異的變形模樣，同時喚起了遊戲感與陌生感。

雖然看不見水，但透過游泳池的味道、聲音、反射的表面與記憶，水在感官上被重新喚醒。作品在水的缺席與痕跡之間，喚起了童年與身體的記憶，讓人反思水是如何塑造我們的感情、身體以及與環境的關係。
 

〈光的畫布〉是以數位最小單位「光」作為造型語言的作品。沿著畫框框架運行的光粒在60秒內旋轉，讓人聯想到太陽與月亮的自轉與公轉，並透過其位置與顏色構成一個可以辨識時間的「光之時鐘」。

在夕陽西下時，時針會染上紅色；隨著夜色漸深，則會變成深紫色，僅憑光與影的對比便能感知時間的流逝。這隱喻了人類長期以來僅憑光的位置與顏色來衡量時間的方式，而空白的空間則擴展為一個造型上的畫布。
 

〈新生態系〉是在水槽與沙丘上配置「New Rock」的裝置作品。New Rock 是藝術家為那些因風、浪與陽光侵蝕、融化而呈現石頭形狀的塑膠所取的名稱，自2017年起，藝術家便開始從全國的海邊與河流中收集這些物質。

放置在水槽與沙丘上的 New Rock 乍看之下像是自然的生態系，但實際上是人類製造的物質經過自然時間洗禮後構成的風景。藝術家認為，並非只有人類在改變世界，自然也是吸收並重新組織人類遺留物質的主體。我們丟棄的東西並不會消失，而是會成為新生態系的一部分，靜靜地再次出現。
 

〈植物之歌〉是由活生生的植物構成的體驗型裝置作品。室內的植物通常介於裝飾品與生命體之間，Scenocosme 正是關注於這個模糊的地帶。這件作品透過數位技術，將植物轉化為能對人類身體靜電能量產生反應的自然感測器。

當觀眾撫摸葉片時，植物會以各自不同的聲音回應，當多株植物同時存在時，便會構成一個小型的管弦樂團。看不見的身體能量化作歌聲，展示了植物並非單純的物品，而是活生生的存在。
 

Park Seung-mo 的新作〈刻在空中的紀錄〉是一件具有寺廟造型感的大型裝置作品。由數百個土箱層層堆疊而成的結構，並非完結的建築物，而更接近於不斷生成與崩塌的關係集合。藝術家透過西藏的沙曼陀羅修行，體悟到生成與消滅是同一個循環。正如泥土本是易碎的物質，但在遇火後會變得堅硬，這件作品包含了傷痕與消滅的經驗轉化為另一種堅韌的過程。
 

另一方面，京畿陶瓷美術館除了舉辦本展外，也同步舉行自2001年起開辦的《國際徵集展》。今年將在雙年展期間，展出經由審查選出的58件作品。