[现场速递] 2026 Gyeonggi Ceramics Biennale ① 泥土与地球共同创造的创作之旅，《Earth Makes》展

于18日开幕的2026 Gyeonggi Ceramics Biennale将在利川、广州、骊州等京畿道一带进行至11月1日。主题为“Earth Makes”，包括主展在内，共计举办了国际公募展、名匠展等7个不同的展览。

在利川京畿陶瓷美术馆举办至11月1日的本展《Earth Makes》，将陶瓷视为地球力量在时间中显现的生命媒介。泥土并非仅仅接受形状的被动材料，而是通过热量与重力、水分与压力、化学反应以及不可预知的变形，与艺术家共同工作的能动合作者。

展览并未停留于“是谁创造了它？”这一问题，而是思考当人类的创造行为与物质自身形成的能量进行对话时，会产生什么。展览由“泥土创造”、“土地创造”、“地球创造”共三个章节组成。

“泥土创造”章节遵循了泥土、水、火相遇并转化为单一形态与存在的整个过程。粘土并非由艺术家的手被动塑造的材料，而是会干燥、开裂、弯曲并自我反应的生命物质。参与艺术家们细致地感受泥土的重量与湿度、窑炉的热量以及大气的变化，与其说是在完全控制形状，不如说是倾听物质所展现出的律动。

此时出现的裂纹与扭曲、色彩的变化与偶然的痕迹，并非失败或缺陷，而是完成作品的重要元素。这一章节展示了陶瓷并非仅凭人类意志即可创造，而是泥土、水、火、时间以及地球条件共同塑造的生成结果。

〈大地的内心〉是用粘土和石膏塑造的洞穴形态雕塑，内部嵌入了画面。在这个对成年人来说略显低矮、对儿童来说略显高大的入口前，高大的观众必须弯下腰，而年幼的孩子必须站在踏脚凳上，才能窥见内部的画面。

艺术家认为，孩子越小，与泥土的本能连接就越紧密，随着年龄增长，这种感觉会逐渐淡化。这个要求每个人以不同姿势弯腰或站立的洞穴，促使人们为了找回遗忘的感觉而重新调整各自的身体。

Kim Si-young 40多年来一直探索韩国传统黑釉陶，并将其发展为自己的造型语言。被称为“火焰炼金术士”的艺术家将火视为创作的伴侣，探索泥土与火相遇时产生意想不到的颜色与形状的窑变，以及随之呈现出的多彩结构色。

在〈Planet〉系列中，通过使用不同地区的泥土，并改变窑炉的温度、内部条件及烧制时间，来引导形状、颜色及表面的变化。由此诞生的作品如同拥有各自不同光泽与表情的行星般聚集在一起，构成了一个由泥土与火塑造的微观宇宙。

“章节2 土地创造”探讨了地域性和场所性是如何形成特定的陶瓷文化的。泥土的颗粒、水的性质、气候差异等环境条件，一直影响着各地区所使用的器皿形状与颜色、储存、饮食与分享的方式，乃至社区的文化实践。

参与艺术家们从当地的泥土与生活文化、储存的智慧以及日常工具出发，将积累在特定场所的时间与记忆通过作品呈现出来。本展区的陶瓷作品承载着土地与人类长期共同塑造的文化景观，陶瓷不仅是个人的创作物，更扩展为土地、社区、自然与生活相互交织而形成的地球感官记录。
 

〈考古学风景/火的曼荼罗〉是以艺术家长期观察的黄海滩涂为题材的装置作品。艺术家并不将滩涂视为单纯的自然组成部分，而是将其视为展现潮汐与海洋生物活动不断刻画并抹去的“时间流逝”的边界。

将从滩涂中采集的泥土进行烧制的过程，同时引发了消亡与向新状态的过渡，创造出一个既有已消失的痕迹、又有尚未显露的痕迹共同堆积的考古学场所。以此重构的风景对人类文明长期以来对自然施加的暴力性提出了质疑，并静静地提出了文明与自然之间和解的建议。
 

〈关于生命与神话〉是将艺术家度过童年的奇瓦瓦沙漠的记忆、自身的移民经历与阿兹特克神话中 Malinalxochitl 的故事重叠而成的装置作品（Malinalxochitl 是阿兹特克神话中的女神，其名字源于纳瓦特尔语中意为“干草”的“malinali”和意为“花”的“xochitl"）。艺术家将沙漠视为在边界之间发生变化的 Nepantla 空间（纳瓦特尔语中意为“之间”或“中间”，指不同边界相遇并产生紧张、变化与新生成的中间状态或空间）。

在移民旅程中被遗弃的 Malinalxochitl 的故事，延伸到了女性、移民以及边缘化存在的治愈与转变。艺术家通过将过去在格兰德河两岸奇瓦瓦沙漠安装的仙人掌雕塑的粘土研磨后混入釉料，在物质层面上将童年的沙漠与现在的创作联系在一起。就这样，承载着记忆与转变的三株仙人掌连接了大地、人类与天空。
 

Birender Kumar Yadav 作为一名矿区铁匠之子成长，基于其经历，一直在探索权力结构与劳动阶级之间的紧张关系。〈劳动停留之处〉是在具有落差的木板上，将陶瓷铸造的工具整齐排列的特定场域装置作品。

这些工具既是支撑生计的器物，也包含了对劳动后获得解放的身体的尊重。通过与韩国陶艺高中的学生合作完成的这项作品，将印度的矿区工具与韩国的韩屋建筑工具并列放置，层层叠加了跨越不同时间和文化的劳动记忆。
 

〈好奇心〉源于艺术家 20 多年前在某地方山坡挖土时，发现深层地下堆积着生活垃圾层这一经历。这一保留了人类痕迹的废弃物如文物般显露出来的场景，同时唤起了不适感与陌生的好奇心，让人得以窥视被掩盖的时间层。

艺术家在透明的管状容器中层层堆叠填充了塑料、泥土、树叶和谷物，用石头制作支撑架后，在顶部竖立起树枝。自然物与人工物交织的作品，自然地引导人们回溯大地吸收人类痕迹并形成新地层的过程。
 

“Earth Makes”并不将陶瓷视为古老的工艺形式，而是将其视为一种当代媒介，让地球的物质能够自行记录时间并想象未来。泥土、水与火经过人类之手成为器皿与造型物，但其中也共同刻录着气候与地质、劳动与技术以及迁徙的历史。

如今的陶瓷在与人工智能、数字图像、虚拟环境相遇后，不再仅仅停留于过去的遗产。相反，它成为了通过最古老的材料来追问最遥远未来的语言。这一章节展示了陶瓷如何成为连接人类与自然、地区与世界、物质与非物质的感官装置，并在全球团结的感官中，探讨在气候危机之后的时代，我们如何能够共同创造、共同坚守并共同生存。

〈大家的游泳池〉是一件通过水的缺失，将公共游泳池重新构建为陌生且具有诗意空间的装置作品。在抽干水的游泳池中，扭曲的泳道线、凝固的泳衣和拖鞋、融化的沙滩球以陶瓷雕塑的形式呈现。这些熟悉的物品以多样的色彩和奇妙变形的面貌，同时唤起趣味性与陌生感。

水虽然看不见，但通过游泳池的气味、声音、反射的表面以及记忆，在感官上得以复苏。作品在水的缺失与痕迹之间唤起童年与身体的记忆，让人反思水是如何塑造我们的情感、身体以及与环境的关系。

〈光的画布〉是将数字的最小单位——光，转化为造型语言的作品。沿着画框框架旋转60秒的光粒，让人联想到太阳与月亮的自转与公转，并根据其位置和颜色构成了一个可以通过视觉判断时间的“光之时钟”。

在落日时分，时针会被染成红色；随着夜色渐深，则变为深紫色，仅通过光与影的对比便能感知时间的流逝。这隐喻了人类在漫长岁月中仅凭光的位置与颜色来衡量时间的方式，而空白空间则扩展为一种造型上的画布。

〈新生态系〉是将“New Rock”布置在水槽与沙丘上的装置作品。New Rock是艺术家为那些因风、浪、阳光而磨损、融化并呈现出石头形态的塑料所起的名称，自2017年起，艺术家便开始从全国的海边和河流中收集这些材料。

放置在水槽和沙丘上的New Rock乍看之下像是自然的生态系统，但实际上是人类制造的物质经过自然时间洗礼后构成的风景。艺术家认为，不仅是人类在改变世界，自然也是吸收并重新组织人类遗留物质的主体。我们丢弃的东西并不会消失，而是会成为新生态系统的一部分，静静地再次出现。

〈植物之歌〉是由活体植物组成的体验型装置作品。家中的植物通常处于装饰品与生命体之间的某个位置，Cénocosme关注于这一模糊的地带。该作品通过数字技术，将植物转变为能对人类身体内的静电能量做出反应的自然传感器。

当观众抚摸叶片时，植物会以各自不同的声音做出回应，当多株植物在一起时，则会构成一个小型的管弦乐团。看不见的身体能量化作歌声，展示了植物并非单纯的物体，而是鲜活的生命体。

Park Seung-mo的新作〈刻在空中的记录〉是一件具有寺庙造型感的大规模装置作品。由数百个土箱层层堆叠而成的结构并非完整的建筑，而更接近于不断生成与崩塌的关系集合。艺术家通过西藏的沙曼陀罗修行，领悟到生成与消亡是同一个循环。正如土本来是易碎的物质，但在遇到火之后会变得坚硬，这项作品包含了将伤痛与消亡的经验转化为另一种坚韧的过程。

另一方面，在京畿陶瓷美术馆，除了主展之外，自 2001 年起开始举办的《国际公开征集展》也在同步举行。今年，通过评审选出的 58 件作品将在双年展期间进行展出。