[現場スケッチ] ケーキ一切れに光と影、孤独までを込める《Hyundai Card Culture Project 31 Wayne Thiebaud》展

現代カードが9月、20世紀を代表するアーティスト、ウェイン・ティーボーの展示で本格的な秋の門を開きます。ソウルのDDPで2027年2月21日まで開催される《Hyundai Card Culture Project 31 Wayne Thiebaud》展は、韓国で初めて紹介されるウェイン・ティーボーの回顧展です。

ウェイン・ティーボー(1920-2021)は、現代アメリカ美術を代表する最も独創的で影響力のある巨匠の一人と数えられます。1960年代初めにポップアートが注目され始めると、ティーボーはポップアートと関連して頻繁に言及されましたが、彼は絵画の深い伝統に根ざし、自分自身の独自の道を歩みました。

機械的に客観的な態度を取った同時代の作家たちとは異なり、彼は絵を描く物理的で手作業的なプロセスを重視しました。ケーキ一切れ、食料品の陳列棚、目もくらむほど険しい都市の通り、孤立した人物など、日常の一断面を光と色彩、形態に対する深い探求へと昇華させました。

展示の特徴は、新しい解釈の枠組みです。ミシェル・フーコーの哲学書『言葉と物』で語られる「秩序」の概念を借りて、ウェイン・ティーボーの作品世界を、世界を組織し認識する視覚的構造への探求として解き明かします。作家の秩序に対する関心は、人物や都市の風景を捉えた後期の作品にも続き、孤独や記憶、人間的な距離感という主題へと拡張されます。


初期作品

ウェイン・ティーボーが1960年代初めにアメリカ全土で名声を得るまで、彼は10年以上にわたって商業デザイン、漫画、舞台デザイン、美術教育など多様な分野で活動し、自身の能力を磨いてきました。1940年代と1950年代の絵画には、抽象表現主義の強い影響と、ウィレム・デ・クーニングのような師たちのジェスチャー中心の質がはっきりと現れています。『自画像』(1947)、『葉巻陳列棚』(1955)といった作品において、ティーボーは密度の高い質感と土色系の色彩、平面的に描写された造形を実験しました。

このような初期作品においても、商業的な陳列と構造的な配置に対する彼の継続的な関心が徐々に現れます。『ストリートフード』(1959)、『フライドポテト』(1961)といった作品は、絵具を厚く塗って質感を強調するインパスト技法と、アメリカの日常的な大衆食堂で見られる飾らない幾何学的な形態が交わる重要な転換点を示しています。この時期、ティーボーは素朴でありふれた事物を、無駄のない背景の上に一つずつ分離して配置することで、絵具自体が物質的な存在感と構造的な重みを持つようになるという事実を発見します。

傑作

ウェイン・ティーボーは生涯を通じて「芸術は芸術に由来する」という信念を持っていました。彼はディエゴ・ベラスケスやジャン・シメオン・シャルダンから、ポール・セザンヌやジョルジョ・モランディに至るまで、美術史の巨匠たちと絶えず対話を交わしました。そして、主要な美術館の所蔵品を究極の「芸術的基準の源泉」としました。

芸術、そして芸術を鑑賞し評価すること、文化的記憶に対するティーボーの愉快でありながらも深い洞察が表れている。『ベティ・ジーン・ティーボーと本』(1965-1969)では、画家の妻が開かれた本を前に座っており、本には他の巨匠たちのドローイングのイメージが載っている。古典的な肖像画の要素を、厳格な幾何学的構成の中に自然に溶け込ませている。
 

『35セントの傑作たち』(1970/1972)を見ると、安価な美術絵葉書が置かれた鉄製の陳列台が、歴史的な傑作を誰もが買える消費商品へと変えている。美術史家が手に持っている作品であれ、深い思索に耽る収集家が見つめる作品であれ、ティーボーは芸術を鑑賞する行為そのものを作品の中に収めることで、絵画が数世紀にわたって続いてきた生きた伝統であり、今日でも継続している伝統であることを想起させる。
 

目で楽しむ饗宴

ウェイン・ティーボーが描いたアメリカのダイナーの食べ物やデザートの陳列台は、飢えた目のためのご馳走のようだ。三角形のパイや、幾重にも重ねてクリームを塗ったケーキ、キャンディやアイスクリーム、薄く切られた肉加工品が詰まった作品たちは、それを見る瞬間に私たちの感覚を刺激し、食欲と期待感を呼び起こす。

ティーボーは「アクチュアリズム(actualism)」と呼ぶ絵画の手法、すなわち絵具自体が描写しようとする対象のように物質的な存在感を持つように描いた。バターのように滑らかで厚くのせた油彩絵具で対象の質感を再現し、絵具自体がまるでケーキに塗られたクリームやマヨネーズ、ホイップクリームのように見えるようにしたのだ。
 

 『サラダ、サンドイッチとデザート』(1962)のような大型の作品では、広く傾いたテーブルの上に食べ物が広がっており、『食料品陳列棚』(2017/2020)のような作品では、機械式の秤と価格票の下、ガラスの陳列棚の中に肉とチーズが置かれている。

ティーボーは「私を捉えて離さないのは、まさに排除する側面だ。その中には多くの渇望がある。」と語った。戦後のアメリカ社会の豊かさを示すこれらの作品には、一方で静かな静寂が漂っている。一人で食事をする人のために整然と準備された食べ物たちは、互いに綺麗に分離されたまま、まるで永遠に止まった時間の中に封印されているかのようだ。


秩序と無秩序

ウェイン・ティーボーの作品世界を貫く核心的な問いの一つは、秩序と無秩序の間の関係である。デザートやペストリー、炭酸飲料の瓶、事務用品を描いた代表的な静物画において、彼は事物を整然とした列や格子構造、円形の形で捉える。このような反復的な配列は、現代消費文化の大量生産と規格化された陳列方式を連想させる。

しかし、彼が表現する秩序は決して機械的ではない。ケーキや玩具、パステルを一定の方法で配列した作品を詳しく見てみると、完全に同じものは一つもなく、微妙な変奏が加えられている。皿を一行からわずかに外して置いたり、装飾の形を変えたり、影の方向を逆に変えたりもする。
 

〈散らばったパステル〉(1972)のような作品では、幾何学的な格子までも大胆に打ち破り、様々な方向に伸びる色とりどりのチョークを画面の至る所に散らしている。このようにティーボーは、意図的な変化が加わることで、定められた秩序から逸脱する瞬間にこそ、むしろ視覚的な調和が最も強力な力を発揮することを示す。

映像作品の中のウェイン・ティーボー

ウェイン・ティーボーは、自身の作品が美術館に展示されるずっと前から、映画やアニメーションの作業に参加していた。16歳の時にはウォルト・ディズニー・スタジオで実習生として働き、グーフィーやピノキオのようなキャラクターの中間シーンを描いた。第二次世界大戦中には、アメリカのカルバーシティにある第1空軍映画部隊に配属され、軍事訓練映画やドキュメンタリーの制作に参加した。その後、1954年から1959年までは、自宅の地下でPatrician Filmsを運営した。この独立制作会社は、学校の生徒を対象に印象派や立体主義といった美術様式を説明する短い教育用アニメーションを作る場所であった。

このような経験は、彼の妻であるベティ・ジーン・ティーボーが監督として制作した1971年のドキュメンタリー「Wayne Thiebaud」にもよく表れている。この映画は、ティーボーの創作過程を間近で直接見ることができる。カメラは作業室で絵を描くティーボーの姿を長く捉え、彼が筆を慎重に動かす様子と、彼の作品に視覚的な素材を提供した日常の風景を行き来する。輝くパン屋の陳列棚、食堂の棚、道端の看板、そしてカリフォルニアの陽光の下で輝く商店や商業空間などが、彼が見つめた日常の姿として登場する。

人物、孤独

ウェイン・ティーボーは1960年代半ばから人間の姿を描き始め、静物画を描く時に使用したものと同じ厳格な形式的手法を人物画にも適用した。写真家のスタジオやテレビの舞台を彷彿とさせる強烈で明るい白の背景の前に人物を立たせたり座らせたりした彼の作品では、物語の背景や個人的な逸話、そして直接的に現れる感情や心理的表現を見出すことは難しい。

〈座っている五人の人物〉(1965)、〈緑のドレス〉(1966)、〈学生〉(1968)のような作品では、ティーボーが言及した「孤独な共にあること」の状態がよく表れている。人物たちは明るい光の中で並んで座っていたり正面を見つめていたりするが、互いにコミュニケーションは取らない。彼らの視線は外を向いていたり、自身の内面に留まっていたりしており、それぞれの世界に没頭しているかのようだ。エドワード・ホッパーの静かで瞑想的な雰囲気を彷彿とさせるティーボーの人物たちは、現代人の生活が持つ深い孤独を印象的に示している。

対称の力

ウェイン・ティーボーにとって対称とは、厳格に守るべき規則ではなく、均衡と緊張感を探るための一つの方法であった。彼は部分と全体が調和すべきであるという古典的な概念に基づき、物の比率と配置を単純な形式ではなく、興味深い視覚的体験へと発展させた。

彼は生涯を通じて、物と人物を互いにペアにして配置する方法を頻繁に使用した。〈二つのウェディングケーキ〉(2015)と〈二つのハートケーキ〉(1994)では、ほぼ同じケーキが二つ、テーブルの端に並んで置かれており、それぞれに繊細な装飾が施されている。ティーボーは色と筆致、見る角度を少しずつ変えて表現することで、このような対称的な構図に生命感を加えた。そのため、作品の中の表現が単純であったり硬かったりするように感じられないのである。

このような手法は、靴やタバコのような日常的な物を描いた作品にも現れている。アメリカのカリフォルニア州ロングビーチの海岸遊歩道での記憶をもとに描いた、ピンボール機、自動販売機、スロットマシンといった機械式遊戯機を捉えた作品でも繰り返し使用されている。

〈5セント・ピンボールゲーム〉(1962-1963) では、一つのピンボール機を正面から見た姿として単純に表現した。真っ直ぐに立つ本体と細い脚は、人の姿を連想させる。ティーボーは機械を構成する様々な幾何学的形態を意図的にバランスよく配置することで、馴染みのある遊戯機であるピンボール機においても、美しく安定した形態を示している。


馴染みがありながらも、どこか奇妙な

ウェイン・ティーボーの作品を満たす明るい色彩と馴染みのあるモチーフの裏側には、興味深くもありながら、どこか不快な部分がある。馴染みがありながらも奇妙な、「アンキャニー（uncanny）」の領域だ。精神分析学者のジークムント・フロイトが説明したように、アンキャニーとは見慣れないものではなく、本来は非常に親しみ深く馴染み深かったものが、奇妙に感じられる状態を指す。

ティーボーはこのような心理的な境界を活用し、日常的な文脈から外れた対象を、強烈で単純な背景の前にポツンと配置する。普段の環境から切り離された物体は、生命があるものとないものの境界を曖昧で不安定なものにする。
 

〈ぬいぐるみ〉(2004)では、ぬいぐるみの動物たちが整然とした棚の上に並べられている。あるぬいぐるみは狩った動物の剥製のように置かれている一方で、他のぬいぐるみは驚くほど生き生きとした表情で外のどこかを見つめている。このような緊張感は〈愉快なアイスクリーム・コーン〉(2000)にも現れており、この作品ではアイスクリームの塊が笑っているピエロの顔をしており、まるで生きているかのように見える。

このように、ティーボーは遊び心のある親しみやすい対象を、無言でこちらを見つめる人物のように表現することで、一種の妙な不安感を呼び起こす。私たちが目にしているものが生きているものなのか動かないものなのか、本物なのか人工的なものなのかを容易に判断できなくさせ、私たちの認識をしばらくの間、躊躇する状態に留めさせる。


風景、都市の全景と巨大な形態

1970年代からウェイン・ティーボーは風景画を描く新しい手法を発展させ、これを通じて風景の姿を再現する方法を抽象に近いレベルまで押し進めた。彼は伝統的な水平の構図から脱却し、空から見下ろした視線と望遠レンズで拡大して見るような視点、そして極端な遠近法を組み合わせ、世界を新しく捉えた姿を作り出した。
 

3枚のキャンバスを並べて構成した三連画〈都市の全景〉では、サンフランシスコの風景を捉えたティーボーならではの特徴がよく表れている。この作品において、都市の急勾配な坂道と交差点は、道路と建築物、鮮やかな青い影が作り出すスリリングなジェットコースターのような風景へと変貌する。

サクラメント＝サンホアキン川デルタと農地を広く見渡した作品では、断片的に分かれた田畑とダム、運河が平坦な色面として調和し、華やかな色彩の一場面を作り出している。これらの風景は、ティーボーが巨大な山を描いた作品と強い対照をなす。高い絶壁と大きな岩山は人間の存在を小さく見せ、これを通じてアメリカ西部の自然に見られる雄大さと畏敬の念を表現している。


海岸の風景

海辺は、若い頃にアメリカのカリフォルニア州ロングビーチでライフガードとして働いていたウェイン・ティーボーにとって、生涯を通じて個人的に重要な意味を持つ場所だった。彼は数十年にわたり、海辺を題材とした作品を絶えず描き続けた。これらの作品において、海岸線は人々が余暇を楽しむ空間と、広く流動的な太平洋が交わる豊かな視覚的境界として描写されている。
 

ティーボーは様々な距離から海辺の姿を見つめてきた。『ビキニを着た人物』（1966）、『膝をついた二人の人物』（1966）といった人物画では、海辺で日光浴を楽しむ人々を間近から捉え、強烈な光の下で彼らの体を彫刻のような静物のように表現した。
 

その後の作品である『三角のビーチ』（2003/2005/2019）や『海辺のリゾート』（2007）では、高い場所から遠くに眺めた風景を見せている。広く広がる黄金色の砂浜と青緑色の海の上に、小さな人物たちやパラソル、縞模様のタオルを散りばめ、まるでリズム感のある文字のように見せている。


百歳の道化師

ウェイン・ティーボーが晩年に描いた道化師の連作は、1930年代のアメリカ・カリフォルニア州ロングビーチでサーカスを見に行った幼少期の記憶に端を発している。ティーボーにとって道化師は、魅力的でありながらも悲劇的な側面を持つ人物だった。人々を楽しませるために過酷な技術を絶えず磨き続ける道化師の姿は、人間の生においてユーモアと脆弱さが共存している様子を示している。

彼が連作として描いた作品の中でも、『百歳の道化師』（2020）は特に重要な意味を持つ。ティーボーが亡くなる1年前に描かれたこの作品は、彼の最後の自画像と見なされている。白い化粧と衣装を纏った老いた道化師の姿を通じて、自身の人生と芸術を静かに、そして深く振り返った作品である。


デライツ連作

1964年、ウェイン・ティーボーはアメリカのバークレーにあるCrown Point Pressにて、版画家ケイサン・ブラウンと協力して『デライツ』を制作した。この作品は、エッチングとドライポイント17点で構成された重要な版画連作である。ティーボーは銅版に直接作業を行いながら、自身が好んで描いてきた食べ物や消費財のイメージを、繊細で触覚的な版画の手法へと移し替えた。

この連作には、アメリカの日常的な姿を示す様々なモチーフが収められている。レモンメレンゲパイの一切れ、二層に重なったアイスクリームコーン、棒付きキャンディ、クラブサンドイッチ、ガムの自動販売機、食料品店の陳列棚などが登場する。色を使用しないこれらの版画は、ティーボーの優れた素描技術をより一層際立たせている。彼は繊細に重ねられた線、ドライポイントの柔らかく豊かな質感、そして雰囲気を生み出す明暗表現を通じて、光と立体感、質感を精緻に表現した。これを契機として、彼はその後数十年にわたり版画を新しい方法で探求し続けていった。
 

今回の展示は、モダニズム・ポップアート分野の世界的なキュレーターであるDieter BuchhartとAnna Karina Hofbauerが共同企画した。
 

現代カード側は「今回の展示は、抽象と具象の境界を越え、現代人の慣れ親しんだ日常と生活の姿を時代を超越する視覚的言語で解き明かした芸術家ウェイン・ティーボーの世界を新たに発見する機会となるだろう」と明らかめた。